TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1970: Nace Mariah Carey, cantante, compositora y productora musical estadounidense.

Mariah Carey

TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1970: Nace Mariah Carey, cantante, compositora y productora musical estadounidense.

Mariah Carey (nacida el 27 de marzo de 1970 en Nueva York, Estados Unidos) es una cantante estadounidense de ascendencia irlandesa y afro-venezolana. Hizo su debut discográfico en 1990, bajo la dirección del ejecutivo de Columbia Records, Tommy Mottola. A finales de 1994 publicó Merry Christmas, el «Disco Navideño Más Vendido de la Historia».

Durante la década de los ’90, sus álbumes se vendieron en grandes cantidades, convirtiéndose en la «Artista con más ventas de la década». También galardonada como la «Artista Femenina del Milenio» por Billboard. y por los World Music Awards.

En 2000 deja Columbia Records, de Sony Music, y firma un contrato por más 80 millones de dólares con la compañía Virgin, considerado como el más grande de la historia para una artista femenina hasta ese año. El fracaso comercial del primer álbum que editó con esta discográfica, obligó a los ejecutivos a romper el contrato. En 2002, Carey firmó con Island Records y después de un período relativamente infructuoso, regresó a la vanguardia de la música en 2005 con uno de los álbumes más exitosos de su carrera, The Emancipation of Mimi.

En el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, Mariah es la solista con más sencillos que ha alcanzado el número uno en con un total de 18, superando a Elvis Presley.

Sus singles «One Sweet Day» (1995) y «We Belong Together» (2005) son las canciones que más tiempo han estado en el número uno de Estados Unidos, con un total de 16 y 14 semanas respectivamente. además «We Belong Together» se convirtió en la «Canción Más Radiada De La Historia» y fue premiada en 2009 como la «Canción de la Década» por Billboard.

Es también la artista con la mayor cantidad de sencillos en debutar directamente en el número uno en los Estados Unidos, con un total de tres singles: «Fantasy», «One Sweet Day» y «Honey».

De acuerdo con la Recording Industry Association of America, Carey ha vendido unos 63,5 millones de copias de sus materiales discográficos en Estados Unidos, lo que la convierte en la tercera cantante femenina con más ventas (detrás de Barbra Streisand y Madonna). Ha sido galardonada con el Diamond Award de los World Music Awards, que reconoce a los artistas que superan los 100 millones de copias en todo el mundo. En términos generales, Carey ha vendido un estimado de entre 175 a 200 millones de discos, sencillos y videos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las artistas con mayores ventas.

Datos generales
Nacimiento 27 de marzo de 1970 (43 años)
Origen Bandera de los Estados Unidos Nueva York, Estados Unidos
Cónyuge Tommy Mottola (1993-1997)
Nick Cannon (2008-presente)
Hijos Monroe y Monroccan Scott
Ocupación Cantante
Información artística
Tipo de voz Soprano
Otros nombres Mimi
Género(s) R&B, pop, hip hop, soul, dance
Instrumento(s) Voz
Período de actividad 1990 – presente
Discográfica(s) Columbia Records (1990-2000)
Virgin Records (2000-2002)
Island Records (2002-presente)
Artistas relacionados Whitney Houston, Aretha Franklin, Celine Dion
Web
Sitio web Mariah Carey Oficial

Biografía

Niñez y juventud

Mariah Carey nació el 27 de marzo de 1970, en la ciudad de Huntington, ubicada en la isla Long Island, que a su vez es parte del estado de Nueva York. Es la menor de tres hermanos, hija de Patricia (apellidada Hickey de soltera), una ex cantante de ópera y profesora de canto de ascendencia irlandesa; y Alfred Roy Carey, un ingeniero aeronáutico americano de origen negro y venezolano. Sus padres se divorciaron cuando ella tenía tres años. La familia tuvo que soportar muchos ataques racistas de los vecinos mientras vivían en Huntington, Carey aseguró que envenenaron a su perro y que incendiaron el coche de la familia. Después del divorcio de sus padres, Carey tuvo poco contacto con su padre y su madre trabajó en varios lugares para apoyar económicamente a la familia. Carey pasó la mayor parte del tiempo sola en casa y se dedicó a la música para apoyarse a si misma. Ella comenzó a cantar a la edad de tres años cuando su madre comenzó a inculcarle la música, más adelante Carey empezó a imitar a su madre mientras esta ensayaba la ópera Rigoletto de Giuseppe Verdi en italiano.

Carey se graduó de la escuela secundaria Harborfields High School, ubicada en Greenlawn, Nueva York. Carey a menudo se ausentaba en la escuela debido a su trabajo como cantante en estudios de grabación locales, en consecuencia, sus compañeros la apodaron «Mirage». Su trabajo en la escena musical de Long Island le dio la oportunidad de trabajar con músicos como Gavin Christopher y Ben Margulies, este último le ayudó a componer música para su maqueta discográfica. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York, Carey trabajó en varios lugares para pagar el alquiler, y completó quinientas horas de estudio en una escuela de belleza. Más adelante, trabajó como cantante de respaldo vocal de la cantante puertoriqueña Brenda K. Starr.

Actualmente Mariah Carey cuenta con un total de ventas por álbumes de estudio, colaboraciones, sencillos y otras plataformas de 700 millones de copias vendidas en total… En 1988 Carey acompañó a Starr a una fiesta en donde se encontraba Tommy Mottola, el presidente de la compañía discográfica Columbia Records; Starr entregó la maqueta musical de Carey a Mottola, este la escuchó al salir de la fiesta y quedó impresionado, de inmediato volvió a la fiesta para encontrarse con Carey, pero esta ya se había marchado. Más tarde Mottola buscó a Carey y le ofreció un contrato de grabación con su compañía. Años después la revista Vibe comparó la historia de Carey con el cuento de La Cenicienta.

Vida Personal

Mariah se casó con el productor musical Tommy Mottola en 1993. Carey solicitó el divorcio a Mottola en 1997, el cual finalizó en 1998.

En el 2008, Carey contrajo nupcias por segunda vez con Nick Cannon , tienen 2 hijos gemelos llamados:Monroe y Monroccan Scott.

Carrera musical

1990-1992: Primeros éxitos comerciales

A mediados del año 1990, Carey publica su álbum debut, titulado Mariah Carey, para el cual escribe la gran mayoría de las canciones que lo componen. Durante la grabación, ella expresa su insatisfacción con las colaboraciones de los productores Ric Wake y Rhett Lawrence, quienes los ejecutivos de Columbia Records habían designado para hacer al álbum más viable comercialmente. Respaldado por un alto presupuesto de promoción, el álbum llega al primer puesto de la lista estadounidense Billboard 200, donde permanece durante varias semanas. La Recording Industry Association of América certificó con nueve discos de multi platino a Mariah Carey, que denotan ventas aproximadas a los nueve millones de unidades vendidas solo en Estados Unidos; internacionalmente ha vendido más de trece millones. En 1991 gana dos premios Grammy, en las categorías de «Mejor artista nuevo» y «Mejor interpretación vocal femenina de pop» (por el sencillo «Vision Of Love»).

A finales de 1991, Carey lanza Emotions, su segundo álbum de estudio, con un sonido más cercano a los géneros musicales Motown y Soul. En este álbum trabaja con los productores Walter Afanasieff y Civillés & Cole (del grupo musical C&C Music Factory). El primer sencillo llamado «Emotions» al igual que el álbum, producido por ella misma, llega al puesto número uno en la lista Billboard Hot 100, siendo el quinto sencillo de la cantante en lograr alcanzar ese posicionamiento en dicha lista de éxitos. A pesar del éxito del primer sencillo, el álbum no alcanza el primer lugar en la cartelera de los discos más vendidos. Las críticas fueron mixtas, la revista Rolling Stone describió a Emotions como «más de lo mismo, sin material interesante». No obstante, en los premios Grammy de 1992 fue nominada como «Mejor interpretación vocal femenina de pop».

Si bien durante este período Carey cantaba en vivo de manera ocasional, el miedo escénico le impide realizar una gira de conciertos, por lo que muchos medios de comunicación especulan que las altas notas vocales demostradas por la cantante en sus álbumes, no eran más que instrumentos sintetizados en un estudio. En 1992, la cantante realiza su primer concierto acústico en vivo en el programa especial MTV Unplugged, en donde demuestra que sus capacidades vocales eran reales. Allí interpreta varias canciones pertenecientes a sus dos primeros discos, y además añade una versión de la canción «I’ll Be There» de The Jackson 5, interpretada a dúo con su cantante de respaldo vocal Trey Lorenz. Debido a los altos niveles de audiencia registrados, el concierto fue publicado como álbum en junio de 1992. El primer sencillo fue «I’ll Be There», llega a ser una de las canciones más populares del año. Llega al puesto número uno en la lista de popularidad estadounidense Billboard Hot 100, convirtiéndose en el sexto sencillo de Carey que lograba esta hazaña y primero de Lorenz. También obtuvo la primera posición en las listas de popularidad de Europa. Los comentarios hacia el álbum en vivo de Carey, fueron incluso más positivos que los de sus dos álbumes anteriores, la revista Entertainment Weekly comenta que es «la grabación más fuerte y genuinamente musical que jamás ha hecho, ¿Esta interpretación en vivo la ayudará a tomar sus primeros pasos hacia el crecimiento?».

Mariah Carey – I’ll Be There

1993-1996: Popularidad internacional establecida

En enero de 1993, Mariah Carey se casó con el presidente de la compañía Columbia Records Tommy Mottola.

En agosto del mismo año, salió a la venta Music Box, el tercer álbum de estudio de la cantante. El producto musical recibió comentarios variados, la revista Billboard lo describió como un «corazón perforado», agregando que era la más elemental de las publicaciones de Carey y que «su voz euritmia se encuentra en una sincronización natural con las canciones»; mientras que la revista Rolling Stone comentó que «la voz de Carey podría mover un camión», y comparó muchas de las canciones con los anteriores éxitos de Whitney Houston, aunque también señaló que la mayoría de las letras no eran más que «clichés del soul»; por otro lado la revista Time fue menos optimista, comentando que «Music Box parece superficial y casi sin pasión… Carey podría ser una gran cantante de pop/soul, sin embargo una vez más ha resultado mediocre como Salieri»; Carey respondió a este comentario señalando lo siguiente:

«Tan pronto como tienes un gran éxito, a mucha gente no le gusta eso, y no hay nada que yo pueda hacer al respecto, todo lo que puedo hacer es hacer música».

Mariah Carey

Comercialmente Music Box fue mucho más exitoso que sus antecesores. Los dos primeros sencillos «Dreamlover» y «Hero» llegaron al número uno de la lista de popularidad estadounidense Billboard Hot 100 y fueron certificados de platino por la RIAA, mientras que tuvieron éxito moderado en el resto de los países del mundo. El tercer sencillo, «Without You» tuvo un enorme éxito en Europa, llegando al primer lugar de las listas de popularidad de la mayoría de los países del continente. Hasta el momento Music Box continúa siendo el álbum más vendido de Mariah Carey en el mundo, hasta la fecha se estima que se han vendido aproximadamente treinta millones de unidades. A fines de 1993, Carey realizó su primera gira de conciertos en Estados Unidos con el objetivo de promover el álbum; la crítica no fue benévola, pero todas las entradas a sus conciertos se agotaron rápidamente.

En el último trimestre de 1994, Mariah Carey grabó junto a Luther Vandross una versión de la canción «Endless Love» de Lionel Richie con Diana Ross; teniendo un éxito notable en el mundo.

A fines de 1994, Carey publicó Merry Christmas, un álbum navideño compuesto por himnos clásicos y material nuevo. El álbum recibió críticas mixtas, la guía musical All Music comentó que la versión de «O Holy Night» pretende sonar como una canción de «alta ópera» y que la versión bailable del himno «Joy To The World» suena horrible. Comercialmente Merry Christmas fue muy exitoso, siendo hasta el momento el álbum navideño más vendido de la historia y el álbum navideño más exitoso en Japón; por otro lado el sencillo «All I Want For Christmas Is You» ha tenido un enorme éxito mundial, logrando reingresar en las listas de popularidad mundiales cada fin de año, siendo hasta el momento el sencillo de Carey más vendido globalmente y considerada la canción navideña de los últimos 20 años más popular.

En 1995, Carey edita Daydream su cuarto álbum de estudio, logrando un éxito enorme tanto en USA como alrededor del mundo. El primer sencillo «Fantasy» debutó directamente en el número 1 del Hot 100, siendo la primera artista femenina en conseguir esta hazaña y la segunda en general, luego que «You’re not Alone» de Michael Jackson lo lograse meses atrás. El sencillo sampleaba una canción de los 80’s «Genious of Love» y Carey preparó un remix junto al rapero Old Dirty Bastard, con el cual sorprendió a mucha gente, pues Carey estaba firmemente establecida como reina de las baladas. Fue la primera vez que una artista establecida en el pop/r&b combinaba comercialmente su estilo con el rap, lo cual marcaría una tendencia que a esta fecha se ha convertido en una norma de cualquier estrella pop, desde Britney Spears hasta Madonna, todos se han visto influenciados por el trabajo de Carey. «Fantasy» se mantuvo por ocho semanas comandando el hot 100 y fue certificado por ventas de 2 millones de copias en USA. El segundo single sería aún más exitoso, «One Sweet Day» una colaboración con el grupo Boyz 2 Men, también debutaría en el número 1 en la cartelera de singles, convirtiendo a Carey en la primera artista en lograr tal hazaña y se mantendría por la increíble cantidad de 16 semanas en esa posición, convirtiéndose en el single con más semanas en el número 1, récord que sigue vigente. Al igual que el single anterior fue certificado doble platino. El tercer single «Always be my Baby» continuaría el éxito de los anteriores, aunque en menor medida, debutando en el puesto 2 en el Hot100 y alcanzando el número 1 por dos semanas, no obstante se ha mantenido como uno de los singles más populares de Carey, fue certificado platino por ventas de más de un millón de copias en USA. Este single marcó su primera colaboración con el relativamente desconocido Jermaine Dupri, quien ha trabajado consecuentemente con Carey desde entonces. Fue el último single editado en USA, aunque un cuarto «Forever» se lanzó con éxito en algunos países de Europa. También figuró en la cartelera pop y logro el número 2 en la cartelera adulto contemporáneo pero al no estar a la venta como sencillo no pudo ingresar al Hot 100. Los críticos reconocieron de forma unánime la evolución de Carey como compositora y en los Grammys alcanzó 6 nominaciones incluyendo «Grabación del año» (por «One Sweet Day») «Mejor álbum pop», «Álbum del año», «Mejor interpretación vocal» por «Fantasy». A pesar de ser la gran favorita en algunos rubros, Carey no obtuvo un solo galardón. Los Grammys ofrecieron una vaga excusa que querían restarle la predictibilidad a los Grammys, refiriéndose al gran favoritismo de Carey que iba acompañado de una inmensa popularidad y de un éxito inédito para una cantante femenina. La debacle de los grammys no desanimó a Carey, quien se marchó a Japón donde ofreció cuatro conciertos en el Tokyo Dome con capacidad para 50 mil personas, donde agotó los boletos en pocas horas. Semanas después conseguiría con «One Sweet Day» el récord de más semanas consecutivas y acumuladas en el número 1. Carey también realizaría conciertos en Europa (su primera gira en el viejo continente) agotando la boletería en todas sus presentaciones.

1997-2000: Independencia y nueva imagen

En 1997, Carey anuncia su separación de Tommy Mottola, aunque el divorcio se les es otorgado al año siguiente. Tras la ruptura de su matrimonio, la cantante contrata a un nuevo publicista y representante. Durante este período también compone y produce canciones para las bandas Allure y 7 Mile, a través de su sello discográfico Crave Records.

En septiembre de 1997 lanza a la venta Butterfly, su quinto álbum de estudio. Contiene géneros musicales como hip-hop y pop. La cantante señala que el hecho de incluir en su trabajo discográfico géneros más urbanos era algo que siempre había querido hacer, pero aclara que no quiere convertirse en rapera. Butterfly alcanza los primeros puestos de las listas de popularidad de Estados Unidos, Japón, Países Bajos, Italia, España, Reino Unido, Bélgica y Suiza.

El primer sencillo para la promoción del álbum fue «Honey», escrito por Carey, Puff Daddy, Stevie J, Q-Tip, Bobby Robinson, Stephen Hague, Ronald Larkins, Malcolm McLaren y Larry Price. Este se convierte en su 12º tema musical en llegar al puesto número uno en la lista Billboard Hot 100. Los siguientes sencillos del álbum («Butterfly», «Breakdown» y «The Roof») no fueron lanzados oficialmente en Estados Unidos. Por ello, pese a que tuvieron una buena aceptación del público, no logran entrar a la lista Billboard Hot 100 aunque alcanzan el Top 15 en la lista de canciones más radiadas, titulada Hot 100 Airplay. El quinto y último sencillo de Butterfly fue «My All», que llega a ser una de las canciones más populares de 1998. Entra al Top 10 de Reino Unido, Brasil, Francia y Suiza, además de llega al Top 20 en muchos otros países. En Estados Unidos se convierte en su décimo tercer número uno en las listas de éxitos y la RIAA lo certifica como disco de platino.

En 1998, Carey contribuye a la banda sonora de la película animada El príncipe de Egipto, cantando junto a Whitney Houston la canción «When You Believe». El tema musical logra ganar el premio Óscar a la mejor canción original. En noviembre de ese año publica su primer álbum recopilatorio, #1’s; siendo todo un éxito en ventas.28 Llega al cuarto puesto de lista Billboard 200, mientras que en Japón logra vender más de tres millones de copias, siendo el álbum de un artista de lengua no asiática más vendido en ese país. En ese mismo año, la cantante participa en uno de los programas especiales de mayor prestigio, VH1 Divas.

En octubre de 1999 publica su nuevo álbum Rainbow que llega al número 2 de las listas estadounidenses. «Heartbreaker» el primer single junto al rapero Jay Z logra convertirse en su decimocuarto número 1 en EE. UU. durante 2 semanas. La artista bate el récord de los The Beatles al estar en total 60 semanas en el número 1 de la lista de singles, (por 59 de los Beatles, aunque todavía por detrás de Elvis), aunque la canción no fue demasiado radiada, pero si logró las más altas ventas de ese año. Oficialmente es la primera colaboración de R&B y hip hop en alcanzar el primer lugar de las listas estadounidenses. Aunque su colaboración con ODB en Fantasy marcó un hito histórico, fue un remix, a diferencia de «Heartbreaker» cuya letra y música original incluía la participación de Jay Z.

En febrero de 2000, la artista consigue su decimoquinto número 1, con «Thank God I Found You», a dúo con Joe y 98 Degrees. Se convierte así en la única artista en tener al menos un número 1 cada año de la década de los 90. En octubre de 2000 consigue su segundo número 1 en Reino Unido gracias a la versión de «Against All Odds» de Phil Collins, a dúo con el grupo irlandés Westlife. Y finalmente en ese mismo año, después de la promoción de Rainbow se separa de Columbia Sony Music, marcando con ello un nuevo inicio a nivel profesional.

2001-2004: Problemas personales y profesionales

En abril de 2001 Carey deja Columbia y firma con Virgin por un contrato de 21 millones de dólares por álbum, siendo la artista mejor pagada en la historia del disco, solo por detrás de Janet Jackson. El contrato contemplaba 4 álbumes y la opción a un quinto.

En junio de 2001 publica «Loverboy», el primer sencillo de su nuevo trabajo, que es también el de su primera película Glitter (estrenada en septiembre de ese año) y logra ser número 2 en Billboard. La crítica destroza la película, el álbum alcanza el número 7 en EE.UU., consiguiendo la certificación de platino. En julio de 2001 Carey es hospitalizada debido a un cansancio físico y psíquico extremo y pospone un mes la aparición del álbum junto a la película del mismo nombre, que debutan el 11 de septiembre del 2001 (día de los atentados en Nueva York y destrucción de las Torres Gemelas) junto a su película. A pesar de sus problemas consigue cantar su himno Hero, dentro de los especiales con motivo del 11 de septiembre. En diciembre canta ante las tropas estadounidenses en Kosovo. En ese mismo mes Columbia publica Greatest Hits, un nuevo recopilatorio de sus más grandes éxitos que logra vender un millón de copias en EE.UU..

En diciembre de 2001, EMI, propietaria de Virgin, decide romper el contrato de Carey debido a que las ventas de poco más de 3 millones de copias del disco Glitter no recuperan la gran inversión. En febrero de 2002 las dos partes llegan a un acuerdo para rescindir el contrato y la artista recibe 28 millones de dólares como compensación. Carey conservó el pago de 21 millones de dólares por el álbum, por lo que el total de ingresos de su relación con Virgin ascendió a US$ 49 millones en los meses que duró la relación comercial. Pero Carey no estaría mucho tiempo sin discográfica, ya que pocos meses después firmaría con Universal que trataba de contratarla desde hacía algún tiempo.

En junio de 2002, la artista funda MonarC Music, su propia compañía, bajo la tutela de Island Records. Con unas premisas mucho más modestas, la cantante publica en diciembre de 2002 Charmbracelet bajo el nuevo sello, con el que intenta volver a situarse en el panorama internacional. El álbum alcanza el 3 en EE.UU., pero desaparece rápidamente de las listas de discos más vendidos. «Through The Rain» el primer single llega al número 8 en Reino Unido. Sin embargo, en EE.UU. fue un fracaso comercial para la artista. Sus dos siguientes singles, «Boy (I Need You)» y «Bringin’ On The Heartbreak» no consiguieron entrar a las listas de las canciones más exitosas ni remontar las ventas del álbum, que ha vendido en total 1,3 millones de copias en EE.UU.

Su conceptualidad, su carácter íntimo y personal, la mínima promoción y el cambio en la técnica vocal de la cantante, son los motivos que algunos consideran por los que Charmbracelet no consigue las expectativas previstas.

2005-2007: Retorno al frente de la escena musical

Dos años más tarde, después de conocer el fracaso; con una mayor distribución, una nueva imagen más limpia y un regreso a sus raíces, llega The Emancipation of Mimi, lanzado el 12 de abril de 2005 que la llevó de nuevo al número 1 de la lista de los álbumes más vendidos en Estados Unidos.

En enero lanza «It’s Like That», single que le ayudó a recuperar su éxito, pero que fue sólo un aperitivo de lo que estaba por llegar. En abril de 2005 consigue el tan ansiado decimosexto número 1 con el sencillo «We Belong Together», después de 5 años de no colocar un tema en el primer puesto de las listas en Estados Unidos. Esta canción fue un éxito rotundo especialmente en dicho país, donde permaneció 14 semanas en lo más alto de la lista de singles y se convirtió en la canción más radiada de la historia, por encima de Hollaback Girl de Gwen Stefani; también fue número 2 en el Reino Unido, además de ser número 1 en varios países más y tan lejanos como Australia. En julio, lanza el tercer single de su «Emancipación»: «Shake It Off», que se mantuvo en el número 2 en Estados Unidos por 6 semanas, por detrás de «We Belong Together», convirtiéndose en la única artista femenina que ha conseguido colocar al mismo tiempo dos canciones distintas en los puestos 1 y 2 respectivamente.

Carey en colaboraciones, tanto con el solista Twista, como con los raperos del grupo Bone Thugs N Harmony en el tema «Lil’ L.O.V.E.» en el cual también colaboran artistas como Jermaine Dupri y Bow Wow.

A finales de septiembre de 2007, lanzó su perfume debut, M by Mariah Carey, bajo la firma Elizabeth Arden, que ha cosechado buenas críticas entre los expertos y fue nominada a un premio Fifi.

El 16 de noviembre de 2007 se publicó el álbum de Aretha Franklyn Jewels In The Crown: Duets With The Queen Of Soul y en él se puede oír la canción «Chain Of Fools» a dúo con Mariah Carey.

El 19 de noviembre del mismo año, salió al mercado el DVD de la gira de The Adventures of Mimi. Este DVD Doble es el primer concierto que saca desde Around The World (1999) y además del concierto grabado en Anheim, California, incluye un documental del tour, un karaoke y un corto, Lovers And Haters, dirigido por Spike Lee, en el que Mariah refleja las dos caras de la gente que la ama y que la odia. La labor de producción del DVD ha corrido a cargo de Ken Ehrlich, bajo la compañía Live Nation

2008 – 2009: E=MC² y Memoirs Of An Imperfect Angel

Carey se pasó todo 2007 trabajando en su nuevo álbum que prometía un gran éxito. Después de tanta espera por fin se publica el primer sencillo en febrero de 2008 «Touch My Body» que alcanzó el número uno en Estados Unidos en la lista Billboard Hot 100 en la semana del 2 de abril de 2008 con 286.000 descargas digitales en su primera semana de disponibilidad en este formato. Esa suma supera las 277.000 descargas con las que su compañera de sello, Rihanna, mantenía el récord con su éxito «Umbrella».

«Touch My Body» se convirtió en el décimo octavo número uno de la Diva en el Hot 100, convirtiendo a Carey en la artista solista con más sencillos número uno en dicha lista ya que superó a Elvis Presley que mantenía el récord con 17, y en disposición de superar a The Beatles que tienen 20 números unos.

El 15 de abril de 2008, salió a la venta su 9º álbum de estudio, E=MC², debutando en el Nº 1 de las listas norteamericanas y top 10 en más de 15 países. En su primera semana en el mercado, el disco vendió 463.000 copias solamente en Estados Unidos siendo de esta forma el debut comercial más exitoso de su carrera. En solo 2 semanas ya se encontraba en el 3º puesto como el disco más vendido de 2008, y lleva 1.100.000 copias vendidas en Estados Unidos, con un total de casi 2 millones en todo el mundo.

Su película Tennessee se estrenó en la primavera de 2008, en la que ya fue premiada como mejor actriz en un festival de cine norteamericano.

El segundo sencillo de E=MC2 fue «Bye Bye» lanzado el 14 de abril y que careció de promoción y sólo llegó al número 19 de Billboard. El 1 de julio «I’ll Be Lovin’ U Long Time» fue lanzado como tercer sencillo en Estados Unidos mientras que en Japón fue lanzado a mediados de junio.

EL 28 de octubre fue lanzado y añadido el cuarto single de Mariah «I Stay In Love» a las radios norteamericanas; el video fue producido y dirigido por su esposo el rapero Nick Cannon, filmado en Las Vegas en el club nocturno «The Bank (Bellagio)»

A principios de 2009 el cantautor y productor de The-Dream, anunció que él y Mariah Carey ya habían comenzado a trabajar en su próximo álbum de estudio; señaló que básicamente estaban tratando de hacer un «álbum de grandes éxitos, sin recurrir a sus grandes éxitos».

Carey escribió en su Twitter que estaba trabajando en Miami con James «Big Jim» Wright y Christopher «Tricky» Stewart, con quienes ya había terminado dos canciones. Ese mismo mes los productores Brian Michael Cox y Jermaine Dupri anunciaron a través de Twitter que junto a Carey habían creado una canción llamada «100 Percent», que además de ser incluida en su nuevo álbum, también será el tema principal de la película «Precious», en la que Carey también actúa. En mayo de 2009, Carey reveló en Twitter que próximamente se reunirá en el estudio con el productor Timbaland. Por otra parte, el periódico New York Post reportó que Carey pretendía grabar una versión de la canción «I Want to Know What Love Is» de la banda Foreigner, para su nuevo álbum.

El día miércoles 20 de mayo, Mariah Carey anunció a través de Twitter el título del nuevo álbum: Memoirs of an Imperfect Angel. Un álbum muy personal como ella lo expresó. El mismo día, Antonio L.A. Reid tocó una canción titulada «Hate U» en un evento de la compañía Island Def Jam. El 9 de junio Mariah Carey anunció a través de Twitter que el primer single de su nuevo álbum se llamará «Obsessed» y que iba a estar disponible en las radios desde el 16 del mismo mes.

Island Def Jam anunció que el nuevo material de Mariah estaría en las tiendas el día 25 de agosto. Debido a que el álbum no estaba terminado, este sufrió dos retrasos, el primero para el 15 de septiembre y saldría a la venta el día 29 de septiembre de 2009. Mientras tanto su nuevo sencillo «Obsessed» estaba ya a la venta (de manera digital) desde el 7 de julio. El video fue dirigido por Brett Ratner, siendo el séptimo video en el que colabora con Mariah. Previamente colaboró en «I Still Believe» (1998), «Heartbreaker» (1999), «Thank God I Found You» (2000), «It’s Like That» (2005), «We Belong Together» (2005) y «Touch My Body» (2008).

2010 – 2011: Veinte años de carrera

A principios de 2010 Mariah terminó su gira Angel’s Advocate, la cual fue una de las más lucrativas de la temporada,30 semanas más tarde es presentada como la voz oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno 2010 y saca un sencillo titulado 100%,31 también en este mismo período saca dos sencillos más titulados Up Out My Face y Angel’s cry, los cuales han tenido un moderado éxito en las listas estadounidenses. En el 2010 Mariah ha tenido muchas presentaciones como en los Annual Academy Awards, los Palms Spring Festival en el cual le fue entregado un premio a la mejor actriz de reparto por su película Precious.

Además de lanzar su nueva colección de perfumes llamada «Lollipop Bling» en los que se encuentran Honey, Ribbon y Mine Again la cual ha tenido éxito en ventas. Mariah con su decimosexto número uno llamado «We belong together» sigue apareciendo en la lista de las canciones con público de audiencia más alto (25 de junio 2010), 212.100.000, 9 de julio 2005 fue la semana que estuvo en la cúspide. También Mariah Carey, se unió a la lista de estrellas que brindaron sus voces para el tema de caridad para recaudar fondos para las víctimas haitianas.

A finales de octubre de 2010, anunció su embarazo luego de meses de especulación. En noviembre de 2010 salió a la venta, su segundo disco de navidad titulado Merry Christmas II you. En España salió a la venta el 15 de noviembre de 2010.

El 30 de abril de 2011 dio a luz a sus primeros hijos. Los hijos de Mariah Carey se llaman Moroccan Scott Cannon y Monroe Cannon. El hijo de Mariah Carey, Moroccan Scott, recibe así su nombre porque el marido de Carey le pidió matrimonio en la sala de estar de su casa en los Ángeles que es de estilo marroquí; y Scott porque es el segundo nombre de Nick, su esposo. La niña se llama Monroe porque Marilyn Monroe fue una gran inspiración para Mariah Carey. Y la niña no tiene segundo nombre porque la madre tampoco lo tiene.

El 24 de agosto de 2011, la revista People confirmó que Mariah participará en la edición norteamericana de The X Factor como mentora, invitada personalmente por Simon Cowell. A principios de octubre de 2011 se confirmó que Mariah Carey colaboraría en el disco de navidad de Justin Bieber, haciendo un dueto de su propio clásico navideño, «All I Want For Christmas Is You».

2012-presente: Regreso a la escena musical y fichaje por American Idol

El 21 de julio de 2012, Mariah Carey anunció a través de su cuenta de Twitter, que a comienzos de agosto de ese mismo año lanzaría su nuevo sencillo, Triumphant (Get ‘Em), un tema movido que cuenta con la colaboración de los raperos Rick Ross y Meek Mill. El 23 de julio confirmó personalmente que va a ser jurado en la duodécima edición de American Idol, que comenzará sus emisiones en enero de 2013.

El 6 de febrero de 2013, Disney, a través de un comunicado de prensa, informó que Mariah Carey sería la encargada de realizar la banda sonora de Oz, un mundo de fantasía. La canción se titulará «Almost Home», saldrá a la venta el 19 de febrero de 2013 y estará incluido en el próximo disco de Carey.

Mariah Carey – Almost Home

Arte e influencias

Carey ha dicho que desde su infancia fue influenciada por músicos R&B y Soul como Billie Holiday, Sarah Vaughan, Gladys Knight, Aretha Franklin, Al Green y Stevie Wonder. Su música contiene fuertes influencias Gospel por lo que también vale destacar a sus cantante de Gospel favoritos entre los que destacan The Clark Sisters, Shirley Caesar y Edwin Hawkins. Cuando Carey comenzó a incorporar sonidos Hip hop a su material, surgió la especulación de que estaba aprovechando la popularidad del género; pero en una entrevista con la revista Newsweek dijo: «La gente simplemente no entiende, yo me crie con esa música». También expresó su reconocimiento por raperos como The Sugarhill Gang, Eric B. & Rakim, los Wu-Tang Clan, The Notorious B.I.G. y Mobb Deep, este último colaboró en el sencillo de Carey «The Roof» (1998).

Carey ha sido varias veces comparada con Whitney Houston por su voz, su estilo musical y su nivel de éxito. Garry Mulholland las llamó «las princesas de wails» por sus virtuosas voces y sus canciones de amor orientadas a un público de pop más maduro. Pero a fines de la década de los noventa Carey comenzó a usar ropa reveladora, lo que marcó una etapa de transición en su carrera y la alejó de esa imagen.

Tipo de voz

Mariah Carey posee un rango vocal de cinco octavas completas, y ocupó el primer lugar en MTV de 2003 y cuenta regresiva de la revista Blender de las 22 mejores voces en la música, según lo votado por los fans y lectores en una encuesta en línea. Carey dijo de la encuesta: «¿Qué significa realmente? ¿Es la voz de la generación MTV?. Por supuesto, es un elogio enorme, pero no sienten lo mismo por mí». Hay quienes aseguran que la voz de Mariah Carey es la voz más poderosa acústicamente en el mundo de la música. Ella también obtuvo el segundo lugar en la lista de Cove revista de «Los 100 vocalistas pop excepcional». En cuanto a su voz, Carey ha dicho:

«Tengo nódulos en mis cuerdas vocales. Mi madre dice que los he tenido desde que era niña. Es por eso que tengo el registro alto y el registro de Belts y todavía puedo ser ronca. La única cosa que realmente afecta mi voz es el sueño. A veces, si estoy agotada, no puedo dar la nota muy alta. Mis médicos me mostraron mis cuerdas vocales y por eso puedo dar las notas altas. Es una parte de la médula que no muchas personas usan-la parte superior. Mi voz natural es baja. Tengo una voz ronca. Soy realmente más que una contralto. Pero mi voz aireada puede ser alto si estoy descansada. […] Cuando yo era pequeña, me gustaba hablar en este susurro muy alto, y mi madre decía algo como, «No seas ridícula». Pensé que si puedo hablar así, también puedo cantar así. Así que empecé a [ella sube y sube y sube] acabando de jugar un poco con ella. Así que practiqué y practiqué, y ella decía algo como, «Te vas a hacer daño.» Yo le decía, no hace daño. Si yo fuera a tratar de dar belts de dos octavas más bajo sería una tensión».

En cuanto a su tipo de voz, Carey dijo que ella es alto, mientras que el barítono francés-estadounidense y profesor de canto en el Conservatorio de París, Malcolm Walker afirma que ella es soprano lírica ligera, «porque el registro superior es mucho más saludable que el registro más bajo.» Sin embargo, dentro de las formas contemporáneas de la música, los cantantes son clasificados por el estilo de música que cantan. Actualmente no hay ningún sistema de voz autorizada dentro de la clasificación fuera de la música clásica. Se han hecho intentos de adoptar clásicos términos de tipo de voz a otras formas de cantar, pero ellos son controvertidos, porque el desarrollo de las categorizaciones de voz clásica se hicieron con el entendimiento de que la cantante podría amplificar su voz con sus resonadores naturales, sin micrófono.

La voz de Carey ha sido descrita como «rica y ronca» en el registro más bajo – algo «distendido» en sus partes más bajas, «redondeada» y «caliente» o «entrecortada «y» delgado «en el registro medio, con un «puro» y completo «registro de bandas» que «funciona muy bien» y una «fácil» voz de cabeza, que es «su voz verdadera». Carey también posee un » whistle register». En una entrevista con la cantante, Ron Givens de la revista Entertainment Weekly lo describió así: «En un solo golpe breve, se le parece a chillar y rugir a la vez: whistle register».

Expertos en voz alaban la técnica vocal de Carey, afirmando que ella pueda «identificar» staccatos, «siempre mantiene una laringe en posición neutral, excepto en ocasiones en su registro más bajo» y «se desliza si

Rango

En vivo, el rango vocal de Carey cubre 5 octavas completas, desde un G#2, hecho en 2008 durante una entrevista; hasta un G#7, realizado en 1991, durante los MTV video music awards. Su nota más alta de pecho es un A5, realizada en 2003, durante un concierto unplugged de la cadena MTV llamado Shining Through the Rain.

En estudio, su rango vocal cubre 5 octavas, una nota y un semitono desde un E2, realizado durante la canción «Bliss», de su disco Rainbow; hasta un F#7, realizado en la canción «Mine Again», de su disco The Emancipation of Mimi.

Influencias

En varias oportunidades ella ha citado a Minnie Riperton como su mayor influencia en cuanto a técnica vocal44 y ha declarado que desde pequeña trataba de imitar las altas notas de Riperton y que así logró ampliar su gama vocal.Sin embargo, destaca también por su dominio en afinación microtonal, también llamada «postafinación pitagórica», usando los cuartos de tono con una natural y magistral destreza y precisión en pasajes de dificultad inverosímil, como puede comprobarse en su LP ‘The Emancipation of Mimi. En 2003 su voz ocupó el primer lugar en MTV en la cuenta regresiva de las 22 mejores voces de la música, en una encuesta online. Dejando atrás a otras cantantes como Whitney Houston, Christina Aguilera, Aretha Franklin, Patti Labelle y Celine Dion. Después de ver los resultados Mariah dijo que «lo que realmente significa es que soy la voz de la generación de MTV y que por supuesto es un enorme elogio, pero yo no siento lo mismo».

 Fuente: Mariah Carey – Wikipedia

TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1975: Nace Fergie, cantante estadounidense, de la banda Black Eyed Peas.

fergie

TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1975: Nace Fergie, cantante estadounidense, de la banda Black Eyed Peas.

Stacy Ann Ferguson (Hacienda Heights, California; 27 de marzo de 1975), más conocida como Fergie, es una cantante y actriz estadounidense. Formó parte del grupo Wild Orchid, y actualmente es una de las voces de The Black Eyed Peas. Aparte de sus dos principales rubros artísticos, Fergie también es bailarina, actriz de voz, compositora, modelo, diseñadora de moda, productora musical, socialité y filántropa.

Fergie, es considerada uno de los mayores Sex Symbols contemporáneos. Sin embargo, Fergie también ha sido reconocida por su habilidad artística, como una de las mejores voces de esta generación, al ser comparada con grandes artistas como Christina Aguilera o Nicole Scherzinger.

Es una de las pocas solistas que ha logrado colocar sus cinco primeros sencillos en el top 5 del Billboard Hot 100,3 y todo esto con un solo disco solista desde comienzos de su carrera.

En su larga trayectoria musical, Fergie ha colaborado con distinguidos artistas de diversos géneros, tales como: uno de los mayores exponentes del rap y hip-hop Nelly, el distinguido DJ electro David Guetta, hasta íconos de la música de todos los tiempos, tal como la viuda del reggae Rita Marley, el legendario guitarrista Slash y el fallecido rey del pop: Michael Jackson.

Fergie ha sido posicionada en el puesto #44 de los Mayores Artistas del Decenio, según Billboard, por delante de artistas como The Beatles, Madonna, U2 o Celine Dion.

Aparte de la música, Fergie ha demostrado talento en la moda, sacando su propia línea de ropa y su propia fragancia, Outspoken de Avon, la cual ha sido reconocida como la fragancia más exitosa y con mayores ventas en la historia de la compañía. También ha actuado en dos películas nominadas al Oscar, Poseidon con una nominación y Nine con cuatro.

Fergie, se ha situado en lista de Maxim Hot 100: «lista definitiva de las mujeres más bellas del mundo»; desde el año 2004 hasta el presente. Destacando la posición del año 2007, cuando fue considerada la segunda mujer más hermosa. Actualmente ocupa el puesto número #7 entre «las mujeres más bellas del mundo»

Datos generales
Nombre real Stacy Ann Ferguson
Nacimiento 27 de marzo de 1975 (37 años) Hacienda Heights, California
Origen Whittier, California Bandera de los Estados Unidos
Cónyuge Josh Duhamel (2009-presente)
Ocupación Cantante, actriz, bailarina, compositora, productora musical, actriz de voz, diseñadora de moda y modelo
Información artística
Tipo de voz Contralto
Otros nombres Fergie, Fergie-Ferg, Ferg, «The Dutchess», Duquesa, Stay, Stace.
Género(s) Pop, R&B, hip hop, urban
Instrumento(s) Voz y Piano
Período de actividad 1983 – actualidad
Discográfica(s) Interscope
A&M Records
Artistas relacionados Black Eyed Peas, Wild Orchid, Koda Kumi, Nelly, Will.I.Am, Apl.de.ap, Miley Cyrus, Taboo, Josh Duhamel, Nelly Furtado, Michael Jackson, David Guetta, Owen Wilson, LMFAO, Chris Willis, Pitbull, Slash, Britney Spears
Web
Sitio web www.Fergie.com

Vida temprana y personal

Sus padres son los profesores católicos Terri Jackson Gore y Patrick Ferguson y su hermana es la actriz Dana Ferguson. Fergie nació en Hacienda Heights (California), y fue criada bajo la fe católica. Estudió en el Glen A. Wilson High School, fue miembro de los scouts, fue animadora y una estudiante destacada con buenas calificaciones, Fergie recuerda ser del tipo «La típica adolescente popular del instituto….» Sin embargo después de la ruptura de su ex grupo Wild Orchid, Fergie cayó en una crisis emocional aguda, Fergie estuvo involucrada con bandas mexicanas contrabandistas de drogas. Convirtiéndose así en adicta a las metanfetaminas. Según sus propias palabras: «No te das cuenta de lo que haces, incluso si tienes una pistola en tu cabeza.»

Pero Fergie sólo se dio cuenta que necesitaba ayuda con su adicción cuando, luego de haber estado consumiendo la droga sin parar por varios días, terminó hablando con un canastón de ropa en su habitación por ocho horas. «Llamé a mi madre y le dije que había estado consumiendo crytsal meth por más de un año y me fui a vivir con ella nuevamente. Tenía 25 años.

Decidió buscar la cura a su adicción a través de la hipnoterapia. «Tuve que aprender a quererme y amarme como ser humano y lo hice con la hipnoterapia. No son tonterías, la hipnoterapia es real, no es como si fueras adonde un psíquico o un brujo.»

Su herencia es una mezcla que incluye irlandeses, escoceses y mexicanos pero que, «no me siento atada a ninguna cultura.» La abuela de su papá nació en Guanajuato pero «soy mayoría escoceses-irlandeses, sin embargo.» Ha visitado la tierra natal de su bisabuela en Cabo San Lucas pero no se dice ser latina explicando, «I don’t go around claiming it big time, (…) because there are many more full-bred Latinas that are out there to represent.»

Vida personal

La cantante se casó con el actor Josh Duhamel en el 2009. El 18 de febrero de 2013, Fergie confirma su embarazo por medio de su cuenta de Twitter.

Carrera musical

Stacy Ann Ferguson comenzó su carrera interpretativa prestando su voz a Sally, en los famosos dibujos animados Charlie Brown y Snoopy, emitidas en el año 1983. Destacan dos películas de esta serie de animación donde Stacy ponía la voz de Sally: It’s Flashbeagle, Charlie Brown (1987) y Snoopy’s Getting Married, Charlie Brown (1985). En 1984, tras protagonizar un anuncio televisivo para Rice Krispies, presentó el exitoso programa musical para televisión Kids Incorporated. En él participaron futuras estrellas como Jennifer Love Hewitt y Martika, fue un éxito y logró altos índices de audiencia en las mañanas de los sábados. En ese programa, fue donde Stacy dio sus primeros pasos en el mundo de la música. En 1986, trabajó en la película Monster in the Closet, y en más programas de televisión como Kids Incorporated: Chartbusters y Kids Incorporated: Rock In the New Year. Siempre con la música como principal objetivo, Stacy se unió a Stefanie Ridel y a su compañera de trabajo en Kids Incorporated, Renee Sandtrom, para formar la banda Wild Orchid. En 1999, la banda emite su propio programa todos los sábados por la mañana en el canal FOX Family. El grupo lanzó su primer álbum en 1997, con la compañía discográfica RCA, autotitulado Wild Orchid. Un año después, lanzaron su segundo álbum, Oxygen. El sencillo Declaration obtuvo un éxito notable, y formó parte de la banda sonora de un episodio de la famosa serie de los noventa Beverly Hills, 90210. En el año 2001, Wild Orchid se desintegra por problemas con la discográfica, que se opone completamente al lanzamiento del tercer álbum de las chicas. Como consecuencia, Stacy sufrió una crisis emocional por la que tuvo que recibir terapia. Durante los años siguientes, Stacy continuó actuando como bailarina, o formando parte de coros en numerosos conciertos.

Black Eyed Peas

Tras la decepción sufrida con la disolución de su antiguo grupo, Fergie conoció a Will.I.am, integrante de Black Eyed Peas. Stacy y Will.I.am se reunieron varias veces y la cantante fue invitada a unirse al grupo y grabar un álbum. Tras cinco canciones que consiguieron convencer a los miembros del grupo, los Black Eyed Peas decidieron que Stacy debía ser uno de ellos. Los Black Eyed Peas habían comenzado su andanza en el mundo de la música en 1989, bajo el nombre de Atban Klan, y con sólo dos integrantes: Will.i.am y apl.de.ap. Decidieron cambiar el nombre del grupo en 1995, cuando Taboo y Kim Hill se unieron al grupo.

En 1998, lanzaron su primer álbum, titulado Behind The Front y, en el año 2000, lanzaron Bridging the Gap. Aunque su estilo musical era un éxito y colaboraron con grandes estrellas como Macy Gray y Wyclef Jean, las relaciones entre los miembros del grupo comenzaron a deteriorarse y Kim Hill dejó la banda.

En 2003 graban su tercer álbum, Elephunk, donde ya contaban con Fergie, y consiguen el éxito mundial, el cual ha vendiendo más de 10 millones de copias. Y con singles de gran exito que se han convertido en parte de la cultura pop tales como: Where Is the Love?, Shut Up, Hey Mama, Let’s Get It Started y la combinación de funk, jazz y hip-hop, que resulta novedosa en el panorama musical de la época. Este álbum les dio su primera nominación en los premios Grammy.

«Un mexicano, un filipino, un negro y una rubia. ¡Somos el sueño de Benetton hecho realidad!«. Comentó Fergie en una entrevista.

Tras el éxito de Elephunk llegó Monkey Business, donde la banda contó con la participación del célebre padrino del soul James Brown y la banda vuelve a los primeros puestos con el éxito del primer single, Don’t Phunk with My Heart seguido de los singles Pump It, Don’t Lie y al éxito internacional My Humps. Este álbum les concedió los premios al mejor grupo de R&B y de hip-hop y al mejor álbum de hip-hop por Monkey Business, entregados por los American Music Awards, premios concedidos por votación popular. Además este exitoso álbum les entregó 3 premios Grammy durante tres años consecutivos, 2005, 2006 y 2007 respectivamente.

En 2006, la cantante anunció que iba a comenzar su carrera en solitario, así como los demás componentes de la banda, pero sin abandonar Black Eyed Peas.

«Somos una gran familia y siempre hemos sido honestos los unos con los otros. Me encanta tener dos posibilidades, porque ser artista solista es mi sueño, pero al mismo tiempo me gusta trabajar con BEP. Creo que todos pensamos igual.»

El rumor de que la formación californiana se disolvería era cada vez mayor, pero Fergie lo desmintió y aseguró que volverían a grabar un nuevo álbum.

«Fueron épocas difíciles. Ahora la cosa ha cambiado, pero al principio, cuando quise hacer mi carrera de solista me sentía muy nerviosa, y con mucho miedo. Después pensé que eso (su carrera) era mi sueño, y que toda la vida había deseado que llegara el momento, y ahí estaba, entonces tenía que tomarlo todo» «Es maravilloso tener mi propio proyecto, eso me ha hecho sentir mucho mejor como persona, como mujer, porque es algo que estoy haciendo por mí misma, no dependo de un hombre para hacerlo, y aunque todos los músicos tienen un equipo a su alrededor para supervisarlos, lo cierto es que este viaje en solitario me ha dado mucho más confianza para creer en Fergie», señaló en una conferencia de prensa en México.

A pesar del éxito actual del que disfruta Fergie, sus principios fueron delicados y muy complicados: “Me sentía en un segundo plano. Estaba buscando mi camino. Pero había muchas críticas como ‘¿qué hace una chica blanca en un grupo de rap?’. Pero eso me dio más hambre de victoria y además contaba con la confianza de mis compañeros”.

Luego de su gran éxito como solista y ya con una carrera consolidada como artista femenina en la industria musical, Fergie y los demás componentes de B.E.P, volvieron a unir fuerzas para crear así, The E.N.D, un exitoso disco electro-hop que les dio su primer #1 en la lista Billboard Hot 100, Boom Boom Pow, y que hasta la fecha había sido su single con mayor éxito a nivel mundial. Sin embargo la época de gloria estaba simplemente empezando; tras estar durante 12 semanas consecutivas en el top de la lista, apareció el himno de las fiestas actuales a quitarle su trono, I Gotta Feeling; la canción se convirtió en el mayor éxito de la banda, siendo hasta la fecha, la Quinta canción más exitosa de la historia musical. Luego de haberse embarcado por una gira magnifica, aclamada por la critica y que logro vender todas las entradas en todos los estadios masivos donde Fergie y compañía hacían presencia, B.E.P, decidió lanzar al mercado, The Beginning, una secuela de su anterior disco y aunque con un éxito menor que el de su producción anterior, Black Eyed Peas se ha consolidado como uno de los mayores artistas en ventas musicales de los tiempos contemporáneos.

Actualmente, Fergie se encuentra preparando la gira ‘The Beginning Tour’ con Black Eyed Peas.

«Quincy Jones es una gran inspiración» dijo Will.i.am. «Él dio vida a la carrera solista de Michael Jackson, él nutrió la carrera de Oprah Winfrey, Whoopi Goldberg, el actor Will Smith,… él construyó una plataforma para que ellos pudieran presentarse y hacerse super-mega-astros. Yo soy un aspirante a hacer eso y Fergie fue mi primera tentativa de hacerlo – producir y escribir y caminar de manos agarradas literalmente con ella y nutrir su música y lo que ella significa como una artista. Yo quise diferenciarla de las otras niñas, las Britney’s, Christina’s y Beyoncé’s… y yo creo que así hicimos un bello trabajo. Yo estoy orgulloso de ella. Yo nunca podría haber trabajado con una persona mejor que ella, no hay nadie más dulce, ella es una excelente persona y es muy simple. Ella no se comporta como una cualquiera».

«Como parte de Black Eyed Peas, nosotros somos un grupo consciente. Nosotros hacemos música divertida, pero nosotros también pensamos en el mundo, nosotros hacemos donaciones y tenemos proyectos filantrópicos. Ella (Fergie) podría ser del tipo ‘A mi no me importa eso, yo sólo quiero mi salario y ser popular’. Todos tienen ese derecho. Pero ella se sumergió en nuestra amistad y tiene la mente abierta para importarse de las cosas que nosotros queremos hacer. Ella peleó por las cuestiones y Eso, es Excelente».

The Black Eyed Peas – Boom Boom Pow

Carrera en solitario

El 19 de septiembre de 2006 salió a la venta el disco en solitario de Fergie, titulado The Dutchess, donde contó con las colaboraciones de Will.i.am, Ludacris y John Legend. Su disco The Dutchess, consiguió debutar en la posición nº 3 del Billboard 200, a pesar que en esa semana lanzaban discos cantantes consolidados como Nelly Furtado, Justin Timberlake y John Mayer; sin embargo a las 56 semanas de ser lanzado el álbum el disco llegó a la posición número 1.

Su single «Fergalicious» esta en el libro de récords Guinness World Records; por la subida más rápida de una canción en la tabla del Billboard ( de #79 a #1 en 4 días).

En su disco, Fergie trata en las letras temas difíciles, como su oscuro pasado con la adicción a las drogas. Asegura que «es autobiográfico. Todas las canciones son de amor, sobre los novios que he tenido. Pero he tomado la decisión de no dar ningún nombre. También cuento mi dura batalla con las drogas, algo que no creo que la gente haya notado desde que estoy en The Black Eyed Peas».

El debut de la cantante californiana se convirtió en un éxito conquistando en Estados Unidos y el mundo, colocando cuatro números uno del Billboard Hot 100 con sus 4 sencillos: «London Bridge», «Fergalicious», «Glamorous» y «Big Girls Don’t Cry».

«Clumsy» fue su último sencillo, que llegó al quinto puesto en el Billboard. Cada sencillo de Fergie logró más de 2,000,000 de ventas, que junto a los singles de Black Eyed Peas, convierten a Fergie en la artista con más singles con ventas superiores a los 2 millones de ventas legales.

Fergie es una de las artistas principales del concierto Fashion Rocks, que se celebra en Nueva York, y que cuenta además, con diversos artistas cada año, Fergie ha estado en el desde el año 2005. Dentro de este en sus presentaciones ha echo duos con Elton John con su canción «Here I Come»; con Aerosmith en el clásico rockero «Walk This Way» y también con Debbie Harry, la legendaria ex vocalista del grupo Blondie en su canción «Call Me».

Fergie ha tenido presentaciones en vivo dentro todos los VMA, tanto en versiones Americanas como extranjeras.

Fergie, ha ganado grandes premio como los MMA, AMA, MTV, Kids Choice Awards, Grammy entre muchos otros. En la mayoría ganando en las categorías de «Mejor Artista del año», «Mejor Artista Femenina del año» o «Canción del Año», su single con mayor proyección hasta el momento es Big Girls Don’t Cry, que ha llegado a vender más de 8 millones de copias solo en USA. The Dutchess ha sido uno de los discos debut más vendidos por una solista.

La cantante también hizo una edición de lujo del mismo, The Dutchess: Deluxe Edition, y una edición especial para Japón, con una nueva portada y cuatro canciones nuevas.

En 2007 Fergie impactó al hacer una colaboración con uno de los mayores exponentes del JPop: Koda Kumi, la canción titulada «That Ain’t Cool», fue un éxito en Japón, siendo radiada en muchas estaciones. El videoclip fue dirigido por Fatima Robinson, la misma directora de videos como «My Humps» y «Fergalicious». Este video tuvo una controversia y la canción también debido a que, a pesar de que la canción era para el álbum de Koda Kumi, la mayoría de las vocales, eran de Fergie lo que descontento a muchos de sus fans, por otra parte en el video Fergie tuvo muchas más escenas y protagonismo.

Fergie sorprendió a todos sus fans realizando un dúo con el fallecido y legendario cantante Michael Jackson. La vocalista de los Black Eyed Peas se sumó a la lista de celebridades que participaron de la celebración del 25 aniversario de “Thriller”, re-edición del álbum que lanzó al estrellato a Michael Jackson. «Beat It 2008», es el tema elegido por Fergie, quién ha logrado imprimir su sello personal en la canción que fue revelada en el lanzamiento de la producción Thriller 25th Anniversary Edition, el 11 de febrero de 2008. El disco se lanzó en dos ediciones: una estándar, con un libro de 20 páginas; y otra de edición limitada, con un libro de 48 páginas. Entre los cantantes que participaron de esta presentación de lujo también figuran también Paul McCartney, Kanye West, Akon y su compañero de grupo y productor del CD Will.i.am.

En septiembre de 2008 Fergie grabó junto a otras trece cantantes la canción «Just Stand Up». Las catorce cantantes interpretaron el tema el 5 de septiembre de 2011 en el maratón «Stand Up to Cancer» y Los beneficios obtenidos fueron destinados a una organización de lucha contra el cáncer de mama.

Junto a su compañero de banda Will.i.am aparecieron en el remake de la canción «We Are the World», donde Fergie cantaba un verso acompañada de la voz de la cantante Celine Dion.

En 2009, Fergie ha sido una de las numerosas estrellas que cantó un tema para el álbum Slash, primer disco en solitario de su amigo Slash, el antiguo guitarrista de Guns N’Roses que salió a la venta en abril de 2010. El tema cantado por Fergie se titula «Beautiful Dangerous» y fue puesta en línea por amazon.com el 24 de marzo 2010. Además, Fergie canta una versión de «Paradise City» en la cara B del single titulado «Sahara» que salió a la venta en noviembre de 2009.

En 2010 participa de la mano de David Guetta, en el tema “Getting Over You“, en el que participan además Chris Willis y LMFAO. La canción está incluida en el disco de Guetta ‘One Love’, que originalmente sólo contaba con la participación de Willis, pero para esta nueva versión se agregaron Fergie y LMFAO.

Fergie también aparece como una de las numerosos artistas invitados en el disco de Kanye West, para la canción All of the lights, su nombre y voz aparecen como parte del video y canción respectivamente.

Fergie – Fergalicious

Arte

Estilo e influencias

Se conocen muchas influencias en Fergie, debido a que su estilo no es uno solo si no variados entre los que se encuentran el Hip-Hop, Pop, R&B, Reggae, Rock & Roll y Soul; entre sus principales influencias Hip-Hop, se encuentran Queen Latifah, Salt-N-Pepa y Erykah Badu. En lo que es el Pop el estilo de Fergie se basa principalmente en Janet Jackson, Madonna y Michael Jackson. Su estilo R&B esta basado principalmente en Mariah Carey, Whitney Houston, Mya y Gwen Stefani.

Cabe destacar que Fergie en todos sus conciertos solistas, tenía un medley de rock donde cantaba covers clásicos de bandas como los Rolling Stones, Poison, Guns N’ Roses y Heart.

Fergie es conocida por haber influenciado a diversas otras artistas en cuanto a imagen, estilo, capacidad de vocal y baile se conoce, entre ellas podemos encontrar a Cheryl Cole, Miley Cyrus, Kelly Rowland, Ashley Tisdale, JoJo, Rihanna(en sus inicios), entre otras.

Capacidad vocal

Destaca el uso de melisma, tanto como la capacidad del uso de alcanzar notas completas en voz de pecho, soporte de voz de pecho, el uso de notas bajas completas y aunque no expone a cabalidad el uso de voz de cabeza, si es capaz de alcanzar notas sin esfuerzo. Aunque se ha dudado sobre la capacidad vocal de Fergie, ella ha podido demostrar su gran capacidad vocal desde que se integró al grupo The Black Eyed Peas con la canción Shut Up, en donde necesitaban una voz femenina fuerte. Una de sus mejores hazañas vocales y como interpretación es el de dar un G#5 (contralto) en voz de pecho, mientras da una voltereta con una mano.

Numerosos artistas han hablado sobre la voz de Fergie, entre ellos: Slash, David Guetta y Kelly Rowland.

En un entrevista en el NY Post a la leyenda del Rock, Slash le preguntaron:

¿La canción “Beautiful Dangerous” es muy hard-rock para Fergie? Slash: Por supuesto que no; yo la conocí en el club Avalon en Los Angeles hace cuatro años atrás. Realizamos un pequeño medley de rock, y cantó “Black Dog”, “Live and Let Die” y “Barracuda” cómo nadie en este mercado. Yo no había escuchado a más grandes cantantes de rock como ella. Eso fue increíble, Sinceramente ella es más una cantante de rock n roll que una cantante pop, yo creo que hasta Will sabe eso.

En otra ocasion fue entrevistado por una performance en el show de apertura de un concierto de U2 y hablo de Fergie,»Fue mi primera vez, salir y tocar «Sweet Child O’ Mine» frente a miles de personas en el Rose Bowl con una banda diferente», dijo Slash. «Nunca había tocado esa canción con nadie además de Guns N’ Roses. Fergie me preguntó si la tocaría con ella, y honestamente, ella es una de los pocos cantantes a los que le confiaría esa canción».

Una vez Slash en su Twitter comentó la participación de Fergie en su primer álbum en solitario en la canción ‘Paradise City’. “Hasta ahora, pocas personas han oído a Fergie cantando rock, pero ella canta mejor que la mayoría de los cantantes que conozco“, dijo el famoso rockero.

Kelly Rowland, ex vocalista del trío Destiny’s Child, ha mencionado «Siempre he sido una gran fan de su voz. Ella realmente tiene un enorme don. Como logra hacer esas notas enormes y seguir saltando o bailando arriba del escenario, es un regalo, un don…»

Por otro lado el famoso DJ-House, David Guetta habló con La BBC Radio 1 sobre “Gettin’ Over You”, colaboración del DJ con Fergie y claro, sobre como fue trabajar con Fergie, él dijo: “Fergie es mágica. Ella es increíble. Ella puede cantar cualquier cosa, ella puede cantar hip-hop, rap, pop, rock lo que sea, es realmente admirable.” Finaliza el DJ.

Logros y curiosidades

  • En el año 2008 colaboró con Michael Jackson. En este mismo año fue elegida ‘La Mujer del Año’ según la revista Blender.
  • En el 2008 fue elegida la mujer mejor vestida.
  • Fue la segunda mujer en presentarse en los Grammy latinos (oficialmente la tercera después de Christina Aguilera y Jessica Simpson, debido a que Fergie se presentó junto a The Black Eyed Peas y no como solista).
  • Junto a su esposo Josh Duhamel son una de las parejas de Hollywood con más ingresos al año.
  • En 2009 fue elegida como «Icono de Estilo Del año»
  • En el verano de 2009, Fergie se tiñó el pelo, cambiando su natural color rubio ondulado a un negro liso intenso con tonos café; Sin embargo en septiembre de 2010 volvió a tener el pelo rubio, en el lanzamiento de su disco The Beginning.
  • En 2010 fue elegida como «La Mujer del Año» por la reconocida revista musical Billboard y la revista de modas femenina Allure.

Carrera fuera de la música

Fergie ha podido combinar su carrera musical con su trabajo como actriz, participando en películas como Be Cool (2005) o Poseidón (2006). Quentin Tarantino y Robert Rodriguez también contrataron a la cantante californiana para Grindhouse. La película se divide en dos entregas (cada una de 75 minutos) dirigidas una por Tarantino y la otra por Rodríguez. Robert contrató a Fergie para un papel secundario en su metraje particular; Planet Terror.

Además de sus papeles en el cine, Fergie actuó en series de televisión como Las Vegas y Married with children.

Fergie ha estado presente en numerosas revistas de todo tipo tales como Maxim, Blender, Seventeen, FHM, entre muchas otras con espectaculares fotos y entrevistas. La revista Maxim la mantuvo en categorías tales como: una de las 5 mujeres más apetecibles, una de las 8 mujeres más picantes o una de las 10 féminas más sexis. Maxim la ha posicionado durante 8 años consecutivos en todas estas categorías.

Fergie actuó en el anuncio del móvil Motorola U9 donde la canción «Here I Come» fue usada de fondo, también ha sido cara de Candie’s, la nueva cara de Dr.Pepper Cherry, Imagen de Mac VIVA GLAM, cara del Vodka VOLI LIGHT y portavoz de Avon en diversas campañas contra el cáncer y en sus productos especializados en el cuidado del cabello.

Su participación en el pisoteado filme por la crítica musical, Nine donde encarna a una prostituta llamada «Saraghina». La crítica fue benevolente con Fergie y alabando sus dotes de bailarina, cantante e intérprete, a diferencia de sus compañeras; un artículo de revisión de la película llamado «¿Es Fergie lo Mejor de Nine?», ha sido lanzado por el diario «El País», donde ensalza a Fergie por sobre sus otras compañeras (ganadoras del Oscar todas ellas) en actuación, baile y canto.

David Guetta & Chris Willis Feat Fergie & LMFAO – Gettin Over You

Fuente: Fergie – Wikipedia

TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1903: Nace Antonio Arraíz (f.1962), poeta, novelista, cuentista y ensayista venezolano.

antonio arraiz

TalDiaComoHoy 27 de marzo de 1903: Nace Antonio Arraíz (f.1962), poeta, novelista, cuentista y ensayista venezolano.

Antonio Arraiz (n. en Barquisimeto el 27 de marzo de 1903 y fallecido en Westport, Estados Unidos el 16 de septiembre de 1962) fue un poeta, novelista, cuentista y ensayista venezolano.

Carrera

De 1912 a 1916 se educa en el Colegio Católico Alemán. En 1919, con dieciséis años, viaja a los Estados Unidos, donde quería cumplir su sueño de ser actor y aviador. En 1922 regresó a Venezuela, y comenzó a practicar varios deportes.

Participó en las protestas estudiantiles de 1928 contra la dictadura de Juan Vicente Gómez y fue encarcelado en La Rotunda y en su ciudad natal (1928-1933). Se refugió en Ecuador y Colombia; regresó al país en abril de 1936.

Como poeta no se lo puede ligar ni a la llamada «Generación del 18» ni a la «Vanguardia de 1928», aunque estuvo más cercano a esta última.

Escribió el libro Los lunares de la Virreina desde la prisión, ya que estuvo encarcelado siete años (desde 1928 hasta 1935) durante la tiranía de Juan Vicente Gómez.

En 1924 había publicado Áspero, su primer poemario, que es, junto com Puros hombres (1938) y los cuentos de »Tío Tigre y Tío Conejo» (1945), su obra más leída. En 1932 se publicó en Argentina su poemario »Parsimonia».

En 1935 es liberado, y comienza a trabajar el diario El Heraldo, de Barquisimeto. Es nuevamente apresado y desterrado, y vive en Ecuador y Colombia hasta su regreso en 1936 a Venezuela, con el gobierno de Eleazar López Contreras, donde ocupó varios cargos públicos, como secretario de la Gobernación del estado Carabobo y en la delegación venezolana ante la ONU.

En 1943 ocupa el cargo de Director del periódico El Nacional, hasta 1948.

También se desempeñó como periodista en el diario Ahora y en la revista Élite, de la que fue jefe de redacción.

En 1948 se establece definitivamente en los Estados Unidos, exiliado tras el derrocamiento del gobierno de Rómulo Gallegos, donde finalmente fallece.1 En Estados Unidos trabajó en el departamento de publicaciones de las Naciones Unidas.

En 1966 el INCIBA publicó su ‘Suma Poética’. Otras obras relevantes son Damas Velásquez (1943) -reeditado el 1950 con el título El mar es un potro. Todos iban desorientados (1951) y El diablo que perdió su alma (1954). En 1943 participó en la fundación del diario caraqueño ‘El Nacional’. Se instaló definitivamente en Estados Unidos en 1949, y trabajó en la ONU hasta su muerte, que se produjo en Nueva York el 6 de septiembre de 1962.

Obra

Su primer libro (Áspero) fue novedoso porque rompió las tendencias literarias de la época, el Romanticismo y el Nativismo.

  • Áspero (1924, poemario).
  • Los lunares de la Virreina (1931, novela).
  • Este Congreso debe disolverse (1936, ensayo).
  • Puros hombres (1938, novela).
  • Cinco sinfonías (1939, poemas).
  • Culto bolivariano (1940, ensayo).
  • Dámaso Velásquez (1943, novela).
  • Cuentos de Tío Tigre y Tío Conejo (1945, cuentos).

Escribió también libros de texto, de historia y geografía venezolana, para la enseñanza en colegios primarios y secundarios.

Premios

1931 Primer premio del concurso del diario La Prensa (Argentina), por Los lunares de la Virreina.

Fuente:  Antonio Arraíz – Wikipedia

TalDiaComoHoy 26 de marzo de 1827: en Alemania muere el compositor y pianista Ludwig Van Beethoven.

BeethovenTalDiaComoHoy 26 de marzo de 1827: en Alemania muere el compositor y pianista Ludwig Van Beethoven.

Ludwig van Beethoven (Bonn, 16 de diciembre de 1770 – Viena, 26 de marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente, desde el período clásico hasta inicios del romanticismo musical. Es uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de forma decisiva en la música posterior.

Considerado el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck, Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo xix. Su arte se expresó en numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música de cámara.

Su producción incluye los géneros pianísticos (treinta y dos sonatas para piano), de cámara (dieciséis cuartetos de cuerda, siete tríos, diez sonatas para violín y piano), vocal (lieder y una ópera: Fidelio), concertante (cinco conciertos para piano y orquesta, uno para violín y orquesta), dos misas (la Missa Solemnis Op. 123 en re mayor) y orquestal (nueve sinfonías, oberturas, etc.), entre las que se encuentra el ciclo de las Nueve Sinfonías, incluyendo la Tercera Sinfonía, también llamada Eroica, en mi♭ mayor, la Quinta Sinfonía, en do menor y la Novena Sinfonía, en re menor (cuyo cuarto movimiento está basado en la Oda a la Alegría, escrita por Friedrich von Schiller en 1785).

Biografía

Familia

La familia de Ludwig van Beethoven vivía bajo condiciones modestas. Su abuelo paterno, llamado también Ludwig, (Malinas, 1712 – 1773), era descendiente de una familia de campesinos y granjeros originarios de Brabante, en la región de Flandes (Bélgica), que se trasladaron a Bonn en el siglo XVIII. La partícula van de su nombre, contrario a lo que pudiera creerse, no posee orígenes nobles, mientras que Beethoven probablemente pudo haberse derivado de Betuwe, una localidad de Lieja, aunque otra hipótesis apunta a que el apellido proviene de Beeth, que quiere decir remolacha y Hoven, que es el plural de Hof, que significa granja. De esta forma, «Beethoven» vendría a significar «granjas de remolachas».

En marzo de 1733, su abuelo emigró a Bonn, en donde trabajó como director y maestro de capilla de la orquesta del príncipe elector de Colonia. El 17 de septiembre de ese mismo año, contrajo matrimonio con Maria Josepha Phall, cuyos testigos fueron el organista van den Aeden y Johann Riechler. Su hijo y padre de Beethoven, Johann van Beethoven (1740 – 1792) era músico y tenor de la corte electoral. El 12 de noviembre de 1767, Johann se casó en la iglesia de San Remigio en Bonn con Maria Magdalena Keverich (19 de diciembre de 1746 – 1787), una joven viuda e hija de un cocinero de Tréveris. Por ese motivo, el matrimonio de sus padres contó con la oposición de su abuelo, que por aquel entonces ya era el prestigioso maestro de capilla de la corte y consideraba a la joven de una clase social inferior a la de su hijo.

El matrimonio se trasladó al n.º 515 de la calle Bonngasse y dos años después, en 1769, nació su primer hijo, bautizado como Ludwig Maria van Beethoven. Sin embargo, apenas seis días después de su bautizo, el niño falleció. El 17 de diciembre de 1770, fue bautizado su segundo hijo, Ludwig van Beethoven, en la iglesia de San Remigio de Bonn, con el nombre de «Ludovicus van Beethoven» según se describe en el acta de bautismo. Su fecha de nacimiento, generalmente aceptada como el 16 de diciembre de 1770, no cuenta con documentación histórica que pueda respaldarla. Maria Magdalena tuvo aún cinco hijos más, de los que sólo sobrevivieron dos: Kaspar Anton Karl van Beethoven, bautizado el 8 de abril de 1774, y Nikolaus Johann van Beethoven, bautizado el 2 de octubre de 1776. Los biógrafos no tienen claras las fechas de nacimiento exactas de ninguno de los hijos de Maria Magdalena Keverich.

Primeros años de vida

El padre de Beethoven estaba muy impresionado por el hecho de que Wolfgang Amadeus Mozart diese conciertos a los siete años y quería que su hijo siguiera sus pasos. Con la intención de hacer de Ludwig un nuevo niño prodigio, comenzó a enseñarle piano, órgano y clarinete a temprana edad. Sin embargo, el estudio musical coartó el desarrollo afectivo del joven, que apenas se relacionaba con otros niños. En mitad de la noche, Ludwig era sacado de la cama para que tocara el piano a los conocidos de Johann, a quienes quería impresionar; esto causaba que estuviera cansado en la escuela. Ya era usual que dejara de asistir a clases y se quedara en casa para practicar música.

El padre era alcohólico, lo que supuso que perdiera el puesto de director de la orquesta de Bonn —puesto heredado del abuelo Ludwig—, y la madre estaba frecuentemente enferma. Aunque la relación con Johann fuera más bien distante, Ludwig amaba mucho a su madre, a la que denominaba su «mejor amiga».

El 26 de marzo de 1778, cuando tenía siete años, Beethoven realizó su primera actuación en público en Colonia. Su padre afirmó que la edad de Ludwig era de seis años, para destacar, de esta manera, la precocidad de su hijo; por ello, siempre se creyó que Beethoven era más joven de lo que era en realidad. Debido a que el talento musical y pedagógico de su padre era limitado, Ludwig comenzó a recibir clases de otros profesores. Sus avances fueron significativos, sobre todo en la interpretación del órgano y la composición, guiado por músicos experimentados como Christian Gottlob Neefe. Neefe fue un profesor muy importante e influyente en su instrucción y supo valorar inmediatamente el nivel excepcional de Ludwig. Además de transmitirle conocimientos musicales, Neefe dio a conocer a Beethoven las obras de los pensadores más importantes, tanto antigüos como contemporáneos.

En 1782, cuando contaba con once años de edad, Beethoven publicó su primera composición titulada Nueve variaciones sobre una Marcha de Ernst Christoph Dressler (WoO 63). Un año después, Neefe escribió en la Revista de Música acerca de su alumno: «Si continúa así, como ha comenzado, se convertirá seguramente en un segundo Wolfgang Amadeus Mozart». En junio del siguiente año, Ludwig es contratado como músico en la corte del príncipe elector de Colonia Maximiliano Francisco, por recomendación de Neefe. Este puesto le permitió frecuentar la música de los viejos maestros de capilla, además de facilitarle la entrada en nuevos círculos sociales, en los que se encontraban algunos de los que serían amigos suyos durante toda su vida, como la familia Ries, los von Breuning (en cuya casa conoció a los clásicos y aprendió a amar la poesía y la literatura), el violinista Karl Amenda o el doctor Franz Gerhard Wegeler (con quien años más tarde viajaría a Viena).

El primer viaje a Viena

Beethoven encuentra una vía de escape de la presión familiar en 1787 cuando, con 17 años, marcha a la capital austriaca apoyado por su mecenas, el conde Ferdinand von Waldstein, quien sufraga los gastos del viaje y, lo más importante, le convence de sus posibilidades de éxito. Parece que durante este viaje a Viena tuvo lugar un fugaz encuentro con Mozart. En relación a este encuentro, solo existen textos de discutible autenticidad. De cualquier modo, la leyenda dice que Mozart habría dicho: «Recuerden su nombre, este joven hará hablar al mundo».

Al poco tiempo, su madre enfermó gravemente y su padre le pidió por carta que regresara a Bonn inmediatamente. Murió finalmente de tuberculosis el 17 de julio de 1787. Tras este hecho, su padre entró en una depresión y su dependencia del alcohol se incrementó, llegando a ser detenido y encarcelado por este hecho. Tras esto, el joven Ludwig tuvo que responsabilizarse de sus jóvenes hermanos y se vio obligado a mantenerlos, tocando el violín en una orquesta y dando clases de piano durante cinco años, mientras que su padre seguía preso. Su padre falleció finalmente el 18 de diciembre de 1792.

De aprendiz a maestro

En 1792, el príncipe elector de Bonn volvió a financiarle un viaje a Viena, ciudad en la que permaneció el resto de su vida componiendo, tratando de alcanzar un reconocimiento social a su persona por medio del arte y sufriendo un mal particularmente terrible para él: la sordera. Allí, Beethoven recibió clases de composición con Joseph Haydn, de contrapunto con Johann Georg Albrechtsberger y Johann Baptist Schenk y de lírica con Antonio Salieri.

Durante este período tuvo varios duelos musicales con otros pianistas. El primero fue en 1792, durante un viaje con la orquesta de la corte, en el cual tocó con Franz Sterkel, ejecutando obras de dicho compositor. En 1800, tuvo lugar el famoso duelo (en el palacio de Lobkowitz) en el que Daniel Steibelt lo retó a que tocasen juntos. En dicha ocasión, Beethoven tomó partituras de una obra de este, modificándolas al mismo tiempo que las iba tocando, con tanta gracia que Steibelt declaró que no volvería a Viena mientras Beethoven viviera allí y abandonó la ciudad, radicándose en París.

Con veinticuatro años publicó su primera obra importante: tres tríos para piano, violín y violonchelo (Opus 1) y el año siguiente, en 1795, realizó su primer concierto público en Viena como compositor profesional, en el que interpretó sus propias obras. Ese mismo año le propuso matrimonio a Magdalena Willman pero esta se negó. Posteriormente, realizó una gira por Praga, Dresde, Leipzig, Berlín y Budapest. En 1796 publicó tres sonatas para piano (Opus 2). La corte, la nobleza y la Iglesia vienesas acogieron la música de Beethoven y se convirtieron en mecenas y protectoras del joven músico. Eran frecuentes las disputas entre estos estamentos y el compositor, debido al carácter fuerte e impulsivo del músico, pero este hecho le hizo granjearse un gran respeto en la ciudad. Entre sus mecenas se encontraban personalidades como el príncipe Karl von Lichnowsky y el barón Gottfried van Swieten. Por esa época se desligó de Haydn, con el que no coincidía musicalmente pero a quien, a pesar de esto, dedicó los tres tríos.

En 1800, Beethoven organizó un nuevo concierto en Viena en el que realizó la presentación de su Primera Sinfonía. Su actividad musical iba en aumento y también impartió clases de piano entre las jóvenes aristócratas, con las que mantuvo romances esporádicos. Al año siguiente, Beethoven se confesó preocupado por su creciente sordera a su amigo Wegeler. En Heiligenstadt, el año siguiente escribió el conocido Testamento de Heiligenstadt, en el que expresa su desesperación y disgusto ante la injusticia de que un músico pudiera volverse sordo, algo que no podía concebir ni soportar. Incluso llegó a plantearse el suicidio, pero la música y su fuerte convicción de que podía hacer una gran aportación al género hicieron que siguiera adelante. En dicho testamento escribió que sabía que todavía tenía mucha música por descubrir, explorar y concretar.

Su música inicial, fresca y ligera, cambió para convertirse en épica y turbulenta, acorde con los tiempos revolucionarios que vivía Europa. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco fue derrotado, adquirió notoriedad Napoleón Bonaparte, que se convirtió en un ídolo entre los sectores progresistas. De esta época son la Sonata para piano n.º 8, llamada Patética, y la Sonata para piano n.º 14, llamada Claro de luna. Su Tercera Sinfonía, llamada la Eroica, estaba escrita en un principio en «memoria de un gran hombre», Napoleón, que era visto en ese momento como un liberador de su pueblo. Cuando se declaró a sí mismo Emperador, Beethoven se enfureció y borró violentamente el nombre de Napoleón de la primera página de la partitura. La Eroica se estrenó finalmente el 7 de abril de 1805.

Éxito y sufrimiento

Muy pronto, Beethoven dejó de necesitar los conciertos y recitales en los salones de la corte para sobrevivir. Los editores se disputaban sus obras; además, la aristocracia austriaca, quizás avergonzada por la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart en la pobreza, le asignó una pensión anual. Debido a la pérdida de sus capacidades auditivas, se entregó a una febril actividad creadora, y, a la par, sufrió penalidades personales producidas por dos desengaños amorosos. No llegó a casarse nunca, pero se le atribuyen varios romances, sobre todo entre damas de la nobleza. Antonie von Birkenstock, casada con el banquero alemán Franz Brentano, fue uno de los grandes amores de su vida.

Entre 1804 y 1807, estuvo enamorado de la joven y bella condesa Josephine Brunswick, viuda de Joseph Graf Deym. Su amor era correspondido por parte de la condesa pero este no pudo concretarse debido a las rígidas restricciones sociales de la época y la estricta separación entre la nobleza y el vulgo, por lo que la relación cesó. Durante este período, Beethoven había terminado Leonore, su única ópera. Compuso hasta cuatro oberturas diferentes y finalmente cambió el nombre de dicha ópera a Fidelio, en contra de sus deseos. El 20 de noviembre de 1805 fue la fecha de la primera representación, que tuvo poca afluencia de público, ya que esa misma semana las tropas de Napoleón habían entrado por primera vez en Viena. En los años siguientes, Beethoven incrementó su actividad creadora y compuso muchas obras, entre ellas la Quinta Sinfonía, la Sinfonía Pastoral, la Obertura Coriolano y la bagatela para piano Para Elisa.

Sus apariciones en público eran cada vez más infrecuentes. El 22 de diciembre de 1808 Beethoven dio uno de sus últimos conciertos en vivo, en una larga jornada que incluyó el estreno de la Fantasía para piano, orquesta y coro Op. 80, las sinfonías Quinta y Sexta, el Concierto para piano n.º 4 Op. 58, el aria Ah perfido! y tres movimientos de la Misa en do mayor Op. 86. Tuvo como alumno al archiduque Johann Joseph Rainer Rudolph, hermano del emperador, y eventualmente se convirtió también en su más grande benefactor. En 1809, Beethoven no estaba conforme con su situación en Viena, especialmente bajo el aspecto económico. Entonces se planteó la invitación de Jerónimo Bonaparte, para dejar Viena y trasladarse a Holanda. Su vieja amiga la condesa Anna Marie Erdödy, logró convencer a Beethoven para que se mantuviera en Viena con la ayuda de sus más ricos admiradores, entre los que se encontraban el archiduque Rudolf, el príncipe Lobkowitz y el príncipe Kinsky, que ofrecieron a Beethoven una pensión anual de 4000 florines, lo que le permitió vivir sin preocupaciones económicas. La única condición que le pusieron fue no abandonar la ciudad de Viena, condición aceptada por el compositor. Dicha pensión lo convirtió en el primer artista y compositor independiente de la historia, ya que anteriormente los músicos y compositores (Bach, Haydn y Mozart incluidos) eran sirvientes en las casas de la aristocracia, formando parte de su personal doméstico y componiendo e interpretando según sus amos les pedían. En cambio, las condiciones del arreglo al que llegó Beethoven con sus benefactores daban libertad al compositor de componer lo que él quisiera, bajo demanda o no, y cuando él quisiera.

El incidente de Teplice

En 1812, Beethoven se traslada al balneario de Teplice y durante su estancia escribió la carta Amada inmortal, que provocó multitud de especulaciones sobre su destinataria aunque nunca se ha podido averiguar con exactitud. En 1977, el musicólogo estadounidense Maynard Solomon afirmó que la carta iba dirigida a Antonie Brentano, la esposa de un mercader de Fráncfort del Meno y madre de cuatro hijos. Debido a su sentido ético y su miedo al matrimonio, Beethoven abandonó esta relación, a pesar de los conflictos emocionales que le causó. En julio de ese año, Bettina von Arnim organizó un encuentro entre el compositor y Johann Wolfgang von Goethe. Más tarde la condesa publicó su correspondencia con Goethe y en una de sus cartas al conde Hermann von Pückler-Muskau relató cierto suceso que al parecer habría ocurrido en dicho balneario ese mismo verano, cuando Beethoven y Goethe se encontraron por primera vez. Ambos paseaban por la alameda del balneario y de pronto apareció frente a ellos la emperatriz María Luisa de Austria-Este con su familia y la corte. Goethe, al verlos, se hizo a un lado y se quitó el sombrero. En cambio, el compositor se lo caló todavía más y siguió su camino sin reducir el paso, haciendo que los nobles se hicieran a un lado para saludar. Cuando estuvieron a cierta distancia se detuvo para esperar a Goethe y decirle lo que pensaba de su comportamiento «de lacayo».

Según Elisabeth von Arnim, el mismo Beethoven le habría contado esta anécdota. Sin embargo, su veracidad es muy discutida y hoy existe un cierto acuerdo en considerarla, si no por completo, al menos en buena parte invento de Elisabeth. En su carta a von Pückler-Muskau, le pregunta si le gusta la historia, «Kannst du sie brauchen?» («¿Puedes utilizarla?»). Von Arnim, sin embargo, decide utilizarla ella misma y en 1839 publicó, en la revista Athenäum una carta, supuestamente de Beethoven, en la que este contaba la anécdota. El original de esta carta no apareció nunca, sólo la copia, y algunos detalles (como la fecha) indican que Beethoven no la escribió nunca, o al menos no tal como fue transcrita. Independientemente de su autenticidad, el incidente encantó a la sociedad vienesa, que lo creyó verdadero durante mucho tiempo.

Problemas económicos

Beethoven había entablado contacto con el inventor Johann Mäzel, que le construyó varios instrumentos para ayudarlo con sus dificultades auditivas, como cornetas acústicas o un sistema para escuchar el piano. Su obra orquestal La victoria de Wellington fue compuesta en 1813 para ser interpretada con un panarmónico, otro de los inventos de Mäzel. Esta obra era un homenaje a la victoria sobre los ejércitos napoleónicos en la Batalla de Vitoria por parte del Duque de Wellington y alcanzó gran popularidad, además de volver verdaderamente famoso al compositor, lo que le procuró grandes ingresos. Sin embargo, él mismo la calificó como «basura» (no diría algo así de ninguna otra obra suya) y hoy está completamente olvidada. El invento de Mäzel que más impresionó al compositor fue el metrónomo, y escribió cartas de recomendación a editores y comenzó a realizar anotaciones en las partituras con los tiempos del metrónomo para que sus obras se interpretaran como él las había concebido. En esa época comenzaron los problemas económicos del compositor, ya que uno de sus mecenas, el príncipe Lobkowitz, sufrió una quiebra económica y el príncipe Kinsky falleció al caerse de su caballo, tras de lo cual sus herederos decidieron no pagar las obligaciones financieras que el príncipe había contraído con el músico.

En 1814, acabó las Séptima y Octava Sinfonías y reformó la ópera Fidelio, que fue un gran éxito, tanto de afluencia de público como económico, al igual que el resto de conciertos que realizó en esa época. Ese mismo año tuvo lugar el Congreso de Viena, que reunió en la ciudad a numerosos mandatarios que decidían el futuro de Europa después de la derrota de Napoleón. Este fue uno de los momentos de gloria de Beethoven, ya que fue invitado en muchas ocasiones a participar en los múltiples conciertos que se dieron en las celebraciones y fue recibido con admiración y reconocimiento. Algunas fuentes apuntan a que el último concierto público de Beethoven tuvo lugar el 11 de abril de ese mismo año. y consistió en el estreno del Trío Op. 97, junto al violinista Ignaz Schuppanzigh y el violonchelista Joseph Lincke.

Tras la muerte de su hermano Kasper Karl el 15 de noviembre de 1815, tomó la decisión de acoger a su sobrino Karl, de nueve años de edad, en contra de la voluntad de su cuñada. En los años comprendidos entre 1815 y 1820, dedicó gran parte de sus energías y su tiempo a la batalla legal para ganar la custodia de su sobrino Karl. Este esfuerzo le supuso dejar prácticamente de componer (a pesar de lo cual cosechó sus dos mayores «éxitos» —la Novena Sinfonía y la Missa Solemnis— en esta época). En el testamento del hermano se le establecía a él como tutor de Karl, pero en el lecho de muerte, a petición de la cuñada, se estableció una tutoría conjunta. Ludwig, quién aborrecía a su cuñada, tuvo que llevar su causa ante la justicia. Los tribunales ordinarios no le conocían y le costaba hacer valer sus influencias, aunque finalmente ganó el caso, y desde entonces se dedicó a la formación musical de Karl con falsas esperanzas, ya que el chico no tenía dotes musicales. Uno de los profesores con los que contó su sobrino fue Carl Czerny, que posteriormente fue profesor de Franz Liszt y antes había sido alumno del propio Beethoven. Además, la relación con su hijo adoptivo no era excelente: constantemente tenía que encontrarle nuevos tutores, ya que tenía conflictos con ellos; y este escapaba con su madre y peleaba constantemente con el tío. La preocupación por el dinero, que acompañó a Beethoven desde los días de la infancia en que tuvo que proveer para la familia, le ocupó en este periodo como nunca. Los editores no confiaban en él, pues no cumplía sus promesas de exclusividad y pedía constantemente más dinero por sus obras. Según su biógrafo, Emil Ludwig, de este periodo no hay ni una sola carta en la que no se traten, al menos tangencialmente, problemas de dinero.

Después de 1815, Napoleón fue definitivamente derrotado y el canciller austriaco Klemens von Metternich instauró un régimen policial para impedir rebrotes revolucionarios. Beethoven fue una voz crítica del régimen. En esta época, su nombre era muy respetado en el Imperio y en Europa Occidental, sobre todo en Inglaterra, en parte gracias al éxito de La victoria de Wellington. Pero el ascenso de Gioachino Rossini y la ópera italiana, que Beethoven consideraba poco seria, lo colocó en segundo plano.

En 1816, realizó el primer esbozo de la Novena Sinfonía y dos años más tarde, su antiguo alumno y benefactor, el archiduque Rudolf, fue nombrado cardenal, motivo por el cual Beethoven comenzó a componer la Misa en re, aunque no estuvo terminada antes de la ceremonia de entronización. En 1822, Beethoven tuvo un encuentro con Rossini en Viena, ciudad en la que este estaba cosechando grandes éxitos. Debido a las dificultades con el idioma y la sordera de Beethoven, el encuentro fue breve.

Últimos años en Viena

Beethoven pasó los últimos años de su vida casi totalmente aislado por la sordera, relacionándose solamente con algunos de sus amigos a través de los «cuadernos de conversación», que le sirvieron como medio de comunicación. Su último gran éxito fue la Novena Sinfonía, terminada en 1823. En los tres años finales, se dedicó a componer cuartetos de cuerda y la Missa Solemnis. El 13 de abril de ese año conoció a Franz Liszt, que entonces tenía once años, durante un concierto del compositor húngaro y lo felicitó por su interpretación. Años más tarde, Liszt transcribió todas las sinfonías de Beethoven para piano y fue un destacado intérprete de su obra. El estreno de la Novena Sinfonía tuvo lugar el 7 de mayo de 1824 y fue un rotundo éxito a pesar de las dificultades técnicas que entrañaba la obra. Este éxito no se tradujo en una ganancia financiera y los problemas económicos continuaron acuciando al compositor, que aunque tenía el dinero que estaba ahorrando, no lo podía utilizar ya que estaba destinado como herencia para su sobrino.

La salud del maestro decayó inexorablemente durante su estancia en la casa de su hermano en Gneixendorf, a pesar de los cuidados de su familia. Su hermano Nikolaus Johann recordaba: «Al almuerzo comía únicamente huevos pasados por agua, pero después bebía más vino, y así a menudo padecía diarrea, de modo que se le agrandó cada vez más el vientre, y durante mucho tiempo lo llevó vendado». Tenía edemas en los pies y se quejaba continuamente de sed, dolores de vientre y pérdida de apetito. En esa época, comenzó la composición de la Décima Sinfonía.

El 1 de diciembre de 1826, Beethoven y Karl volvieron a Viena. La premura de la decisión determinó que carecieran de un transporte adecuado y solamente pudieron conseguir un viejo carromato descubierto. El viaje resulta catastrófico para una persona en el estado en que se encontraba Beethoven, quien llevaba ropa de verano y se vio obligado a pasar la noche en una taberna de la aldea, donde la habitación no tenía calefacción ni persianas que lo protegieran del frío. Hacia la medianoche sufrió un escalofrío febril y comenzó una tos seca acompañada de sed intensa y fuertes dolores en los costados. Estando así, el maestro bebió grandes cantidades de agua helada que sólo agravaron su condición. Sin embargo, logró recuperarse de su crisis gracias a la atención del doctor Wawruch y consiguió llegar a la capital. El 20 de diciembre, se le extrajeron fluidos abdominales. Karl permaneció durante todo el mes a su lado hasta su incorporación, en enero, a su regimiento. El joven se había reconciliado totalmente con su tío tras el lamentable episodio del suicidio: «Mi querido padre: vivo satisfecho y sólo me pesa verme separado de ti».

Casi en la miseria, a pesar de tener una gran fortuna en acciones financieras, escribió a sus amigos en Londres para pedir algún dinero. La respuesta llegó de inmediato, junto con cien libras esterlinas prestadas incondicionalmente. Cuando se difundió en Viena el estado terminal de Beethoven, todos sus antiguos amigos que aún vivían acudieron a su domicilio de la Schwarzspanierhaus para expresarle sus deseos de una pronta recuperación, aunque en realidad su propósito era despedirse del envejecido compositor.

A pesar de los cuidados de su médico y el cariño de sus amigos, la maltrecha salud del músico, que había padecido problemas hepáticos durante toda su vida, empeoró. Esos últimos días le acompañaron Franz Schubert, quien en realidad no se atrevió a visitar al maestro, pero un amigo de ambos le mostró al moribundo las partituras de sus lieder, que Beethoven tuvo oportunidad de admirar y se le atribuye la frase: «es verdad que en este Schubert se encuentra una chispa divina», recordando el comentario que sobre él hiciera Mozart y haciendo el cumplido que no hiciera a ningún otro músico. El 20 de marzo escribe: «estoy seguro de que me iré muy pronto». Y el día 23, entre los estertores del moribundo, algunas fuentes indican que exclamó: «Aplaudid amigos, comedia finita est» («La comedia ha terminado»), un final típico de la comedia del arte, aunque en 1860 Anselm Hüttenbrenner negó que Beethoven hubiera pronunciado tales palabras. Esa misma tarde, tomó la pluma para designar a su sobrino Karl legatario de todos sus bienes.

Fallecimiento

Al día siguiente, 24 de marzo de 1827, Beethoven recibe la extremaunción y la comunión según el rito católico. Cabe señalar que las creencias personales de Beethoven fueron muy poco ortodoxas. Esa misma tarde entra en coma para no volver a despertar hasta dos días más tarde. Su hermano Nikolaus Johann, su cuñada y su admirador incondicional Anselm Hüttenbrenner le acompañaron al final, ya que sus pocos amigos habían salido a buscar una tumba. Sus últimas palabras fueron dirigidas al vino del Rin que llegó después de mucho esperar el encargo, que se esperaba surtiera buenos efectos sobre la salud del músico: «Demasiado tarde, demasiado tarde…». Hüttenbrenner relató los últimos momentos del compositor el 27 de marzo de 1827 de la siguiente forma:

Permaneció tumbado, sin conocimiento, desde las 3 de la tarde hasta las 5 pasadas. De repente hubo un relámpago, acompañado de un violento trueno, y la habitación del moribundo quedó iluminada por una luz cegadora. Tras ese repentino fenómeno, Beethoven abrió los ojos, levantó la mano derecha, con el puño cerrado, y una expresión amenazadora, como si tratara de decir: «¡Potencias hostiles, os desafío!, ¡Marchaos! ¡Dios está conmigo!» o como si estuviera dispuesto a gritar, cual un jefe valeroso a sus tropas «¡Valor, soldados! ¡Confianza! ¡La victoria es nuestra!». Cuando dejó caer de nuevo la mano sobre la cama, los ojos estaban ya cerrados. Yo le sostenía la cabeza con mi mano derecha, mientras mi izquierda reposaba sobre su pecho. Ya no pude sentir el hálito de su respiración; el corazón había dejado de latir.

Anselm Hüttenbrenner.

Tres días después de su fallecimiento, el 29 de marzo, tuvo lugar el funeral. Se celebró en la Iglesia de la Santa Trinidad, distante un par de cuadras del domicilio de Beethoven, y en él se interpretó el Réquiem en re menor de Wolfgang Amadeus Mozart. Al mismo asistieron más de 20 000 personas, entre las que se encontraba Schubert, gran admirador suyo. El actor Heinrich Anschütz leyó la oración fúnebre, que fue escrita por el poeta Franz Grillparzer, a las puertas del cementerio de Währing, ahora Schubert Park.

En su escritorio de trabajo, se encontró el Testamento de Heiligenstadt, redactado en 1802, en donde explica a sus hermanos el porqué de su profunda amargura. También se encontró la mencionada desgarradora carta de amor dirigida a su «Amada inmortal», a la que llama «mi ángel, mi todo, mi mismo yo».

Estudios sobre las causas de su muerte

A lo largo de su vida, Beethoven visitó gran cantidad de médicos para curar sus diversas dolencias físicas, como mala digestión, dolor abdominal crónico, cirrosis hepática, nefropatía, pancreatitis crónica, irritabilidad, depresión, así como otros síndromes sin etiología demostrada, tales como alteraciones gastrointestinales, bronquiales, articulares y oculares. En una carta a un amigo, expresó su deseo de que, después de su muerte, sus restos fueran usados para determinar la causa de su enfermedad y evitar que otros padecieran su mismo sufrimiento. Desde su fallecimiento, a los cincuenta y seis años de edad, en 1827, han existido muchas especulaciones y estudios sobre las causas de sus múltiples dolencias y su muerte, pero no han conseguido determinar una patología sistémica para explicar al menos gran parte de sus síndromes.

Estudios realizados en el Centro de Tratamiento Pfeiffer en Warrenville (Illinois) en 2005 han revelado algunos datos sobre las causas de su muerte. Los análisis de un mechón de su cabello y de un fragmento de su cráneo dieron como resultado la existencia de altas concentraciones de plomo, lo que indica que el compositor podría haber padecido saturnismo. Aparentemente, Beethoven ingería agua contaminada con plomo, que se obtenía de un arroyo campestre creyendo que tenía propiedades curativas. Las últimas investigaciones señalan que fue por el plomo de los vasos que usaba para beber. A raíz de dichos estudios, se pudo saber que el compositor padecía problemas estomacales desde los veinte años y que, en ocasiones, sufría crisis depresivas. Los problemas estomacales y el cambio de personalidad que sufrió a los veinte años concuerdan con el diagnóstico de envenenamiento por plomo. En estos estudios, también se destaca la ausencia de niveles perceptibles de cadmio o mercurio en el mechón y el hueso, elementos a los que previamente se había identificado como causantes de la enfermedad de Beethoven. La presencia de plomo en el cráneo confirmó que la exposición del músico a dicho elemento no fue un hecho puntual en su vida, sino que tuvo que estar sometido a él durante muchos años. Aunque existen algunos extraños casos de sordera provocados por envenenamiento por plomo, no hay ninguna evidencia sólida que sustente que fuese esta la causa de la que padeció Beethoven.

Otro estudio afirma que Beethoven falleció a causa de una insuficiencia hepática que desencadenó un coma hepático. Además, puede que con probabilidad padeciera una septicemia final, con el antecedente de una ascitis fistulizada e infectada. No se puede afirmar con certeza si una insuficiencia renal y una diabetes descompensada fueron motivo de su fallecimiento. En la medicina moderna, la causa de su muerte sería catalogada como un fallo multisistémico, originado por su insuficiencia hepática.

Personalidad

La vida personal de Beethoven fue problemática debido a su creciente sordera, que le llevó a plantearse el suicidio, según afirmó en los documentos encontrados en el Testamento de Heiligenstadt. A menudo, Beethoven era irascible y puede que sufriera trastorno bipolar. Sin embargo, tuvo un círculo íntimo de amigos fieles durante toda su vida, quizás atraídos por la fortaleza de su reputada personalidad. Hacia el final de su vida, los amigos de Beethoven compitieron en sus esfuerzos para ayudar al compositor a paliar sus incapacidades físicas.

Hay numerosas evidencias del desdén que sentía Beethoven hacia la autoridad y el sistema de clases sociales. Detenía su interpretación al piano si su audiencia comenzaba a hablar entre sí o si dejaban de prestarle total atención. En los eventos sociales, se negaba a interpretar si le invitaban a hacerlo sin previo aviso. Finalmente, y después de muchas confrontaciones, el archiduque Rudolf decretó unas normas básicas de etiqueta en la corte que no afectaban a Beethoven.

Beethoven en la cultura popular

La presencia de Beethoven como símbolo, y no sólo como músico, es un fenómeno heredado del Romanticismo. Tradicionalmente se ha difundido la visión del cuadro de Joseph Karl Stieler, cuyo enorme impacto se dejó traslucir tras el éxito de las serigrafías de Andy Warhol en 1987. Se han dejado de lado otras versiones, sea por que tuvieran una calidad artística considerada inferior, o que mostraran una imagen considerada en algún aspecto «poco verídica» respecto a la imagen que ya se encuentra establecida en el imaginario popular acerca del músico.

Cine, teatro y televisión

El compositor ha sido mostrado biográficamente en numerosas ocasiones en el cine, en el teatro y en la televisión. Estas son algunas de ellas:

  • Comienzan sus representaciones en 1909 con una película muda del escritor y director francés Victorin-Hippolyte Jasset que se titulaba Beethoven y que estaba protagonizada por Harry Baur.
  • La siguiente película sobre el compositor fue alemana y de rodó en 1927, su director fue Hans Otto Löwenstein y el nombre de la película fue Das Leben des Beethoven (La vida de Beethoven).
  • El escritor y director francés Abel Gance realizó en 1936 otra película del compositor, Un grand amour de Beethoven (Un gran amor de Beethoven), en la que fue Harry Baur otra vez quien representó el papel del compositor.
  • Walt Disney ilustró la Sexta Sinfonía en uno de los números de su película Fantasía.
  • En 1985 apareció Le Neveu de Beethoven (El sobrino de Beethoven)
  • En 1992, una película para la televisión, Beethoven Lives Upstairs (Beethoven vive en el piso de arriba) fue la ganadora del premio Emmy.
  • En 1994, el director Bernard Rose creó Immortal Beloved (Amada inmortal) con Gary Oldman en el papel del compositor.
  • En 2006, la directora Agnieszka Holland produjo Copying Beethoven (Copiando a Beethoven) con Ed Harris como protagonista.
  • En el mismo año, la Universidad Panrusa Guerásimov de Cinematografía produjo el cortometraje de dibujos animados Fantasía sobre un hombre muerto por la música de Beethoven (Фантаэия о мертвом человеке на музыку Бетховена), dirigido por Mariya Litvínova (Мария Литвинова).

Además, su música ha sido usada en más de doscientas cincuenta películas y programas de televisión.

Beethoven – Symphony No. 6 p1 – Fantasia

Fuente: Ludwig Van Beethoven – Wikipedia

TalDiaComoHoy 26 de marzo de 1944: Nace Diana Ross, cantante estadounidense.

diana rossTalDiaComoHoy 26 de marzo de 1944: Nace Diana Ross, cantante estadounidense.

Diane Ernestine Earle Ross (n. Detroit, Míchigan, 26 de marzo de 1944), más conocida como Diana Ross, es una cantante y actriz estadounidense. Saltó a la fama en los años ’60 al formar parte del grupo The Supremes. En 1970 se estableció como solista. Después interpretó el papel principal de la película Lady Sings the Blues, sobre la vida de la cantante Billie Holiday, que le valió una nominación al Óscar como mejor actriz. Durante los años 70 y 80, Diana se convirtió en la artista femenina más exitosa de la era pop y abarcó también la industria cinematográfica y televisiva así como la teatral en Broadway.

En 1993, entró en el Libro Guinness de Récords como la artista femenina de mayor éxito de todos los tiempos, debido en parte a sus 18 números uno, seis de ellos en solitario. Sólo The Beatles (con 20 números uno) y Mariah Carey (con 18) la han igualado o superado. Aun así, en Billboard sus números uno cuentan por separado: tiene 12 con The Supremes y 6 como solista, siendo superada entonces por cantantes como Janet Jackson, Madonna y Whitney Houston.

Con más de 45 años de carrera, las ventas de sus álbumes y sencillos tienen un total estimado de más de 100 millones de copias, lo cual la convierte en una de artistas musicales con mayores ventas.

Datos generales
Nombre real Diana Ernestine Earle Ross
Nacimiento 26 de marzo de 1944 (68 años)
Origen Bandera de los Estados Unidos Detroit, Míchigan, Estados Unidos
Ocupación Cantante, actriz, productora
Información artística
Tipo de voz Soprano
Género(s) R&B, Soul, pop, disco, jazz
Instrumento(s) Voz
Período de actividad 1959 – presente
Discográfica(s) Lu Pine, Motown, RCA, EMI
Artistas relacionados The Supremes, The Jackson 5, Michael Jackson
Web
Sitio web Diana Ross Oficial

Primeros años (1944-1959)

Diana Ross, hija de un miembro de raza blanca del ejército de Estados Unidos y una docente negra de Bessemer, Alabama, nació en Detroit, Michigan en 1944. Después, la familia se instaló durante un breve período en Alabama debido a que su madre estaba enferma.

La familia regresó a Detroit cuando Diana tenía 14 años de edad. Ross aspiró en su adolescencia convertirse en diseñadora de modas, por lo que ella se inscribió en el nintendo.

The Supremes (1959-1970)

En 1959, con 15 años, se unió a sus vecinas Mary Wilson, Florence Ballard, y Betty McGlown para formar el cuarteto local conocido como The Primettes, quienes actuaban como teloneras de The Primes, más tarde llamados The Temptations.

En 1961 firmaron un contrato con la discográfica Motown Records, y Betty McGlown fue reemplazada por Barbara Martin. El grupo fue relanzado bajo el nombre de The Supremes. En 1962 Barbara abandonó el cuarteto, convirtiéndolo en un trío. El delegado de la discográfica, Berry Gordy, convirtió a Diana en la líder del conjunto musical. Entre agosto de 1964 y mayo de 1967, el terceto consiguió que diez de sus sencillos llegaran al puesto #1 del Billboard Hot 100. Después, Gordy sustituyó a Florence Ballard por la vocalista de Patti LaBelle and the Bluebelles, Cindy Birdsong. Pronto, rebautizó al grupo como Diana Ross and the Supremes, para darle protagonismo tanto a la voz principal como al conjunto. Él ya lo había hecho con otras agrupaciones como Smokey Robinson & The Miracles, antes llamados The Miracles, y Martha Reeves & The Vandellas, antes conocidos como The Vels, por las mismas razones.

The Supremes, bajo el liderazgo de Diana Ross, consiguió doce grandes éxitos en Estados Unidos, entre los que destacan «Where Did Our Love Go», «Baby Love», y «You Can’t Hurry Love». Así, se convirtieron en el segundo conjunto musical estadounidense más exitoso de la década de 1960, después de The Beatles. En 1969, Diana decidió abandonar el grupo. Actuó por última vez como miembro del trío en enero de 1970 y su vacante fue cubierta por diversas cantantes.

Carrera en solitario (1970 en adelante)

1970-1978

En mayo de 1970, con el apoyo de los productores musicales Ashford & Simpson, lanzó su primer disco en solitario, titulado Diana Ross. El primer sencillo de esta producción fue la canción gospel «Reach Out and Touch (Somebody’s Hand)», la cual alcanzó la posición #20 del Billboard Hot 100. El segundo single fue un cover del tema «Ain’t No Mountain High Enough», tuvo un éxito internacional, y este sería el primero lanzado en solitario en alcanzar el puesto #1 de las listas pop. Por «Ain’t No Mountain High Enough» fue nominada al Premio Grammy por mejor vocalista pop.

En 1971, Motown lanzó un segundo álbum de Diana llamado Everything Is Everything. El primer sencillo del mismo, «I’m Still Waiting», fue todo un éxito, en especial en el Reino Unido, donde alcanzó el puesto #1 de las listas de popularidades. Varios meses después lanzó su tercer disco en solitario titulado Surrender. Ese mismo año tuvo su propio programa especial para la televisión, llamado Diana!. En él aparecieron como invitados The Jackson 5, Bill Cosby y Danny Thomas. A finales del mismo año, Motown anunció que produciría una película biográfica protagonizada por Ross, en la que retrataría a la cantante Billie Holiday.

Ross debutó en el cine en 1972 en la película Lady Sings the Blues, donde ineterpretó a Billie Holiday, bajo la dirección de Sidney J. Furie. El largometraje tuvo un gran éxito crítica y público. Posteriormente ganó un Globo de Oro por «Nueva estrella del año- actriz» y fue nominada al premio Óscar por «Mejor actriz». La banda sonora de la película alcanzó el primer puesto de la lista Billboard 200, donde se mantuvo durante tres semanas consecutivas. En la semana de su lanzamiento vendió más de 300.000 copias.

A comienzos de 1973, publicó el álbum Touch Me in the Morning. El sencillo homónimo alcanzó el puesto número uno de las listas estadounidenses. A fines del mismo año, la cantante lanzó un exitoso álbum junto a Marvin Gaye, llamado Diana & Marvin. De él se desprendieron los sencillos «My Mistake (Was to Love You)», que se situó en el Top 20 de Estados Unidos, y «You Are Everything», que se situó en el Top 5 de Reino Unido.

En 1975, protagonizó la película Mahogany, junto a Billy Dee Williams. El director era Tony Richardson, pero luego fue sustituido por Berry Gordy. Con este último Diana no tuvo una buena relación, por lo que abandonó el rodaje antes de que culminara. El filme fue un éxito comercial, pero no recibió buenas críticas. De la banda sonora se desprendieron los singles «Do You Know Where You’re Going To», que llegó al #1 de las listas pop, y el tema de música disco «Love Hangover». El éxito de estos sencillos ayudaron a la publicación del álbum Diana Ross.

En 1977 ganó el Premio Tony por el especial musical An Evening with Diana Ross, que luego fue televisado por la cadena NBC. En ese mismo año, Motown adquirió los derechos de la popular obra de Broadway The Wiz para poder llevarla a la pantalla grande como una versión afroamericana de El mago de Oz. Diana interpretó el rol de Dorothy, que había encarnado de forma inolvidable Judy Garland, y compartió escena con Lena Horne, Richard Pryor, Nipsey Russell, Ted Ross y su amigo Michael Jackson, quien en esos años empezaba a destacar al margen de su grupo The Jacksons. La película se estrenó en octubre de 1978, recibiendo críticas malas y fracasando en la taquilla; pero la banda sonora de la misma, producida por Quincy Jones, vendió más de 850.000 copias. Esta sería la última producción cinematográfica de Motown.

1979-1987

En 1979, Ross se reunió con Nicholas Ashford y Valerie Simpson para el lanzamiento del disco The Boss, el cual fue certificado como «disco de oro» por la RIAA. En 1980, publicó Diana, su primer álbum certificado como «disco de platino» por la RIAA. El álbum incluyó los exitosos sencillos «Upside Down», el quinto en llegar al puesto #1 de las listas, y «I’m Coming Out». Diana alcanzó el segundo puesto del Billboard 200, y permaneció allí durante tres semanas, vendiendo más de 6 millones de copias en Estados Unidos. Ross colaboró en la banda sonora de la película Endless Love, grabando el sencillo homónimo junto al cantautor Lionel Richie. Cuando esta canción llegó al puesto #1 de las listas de popularidades, Diana se convirtió en la primera cantante femenina en conseguir seis singles número uno en el Billboard Hot 100. Cuando su contrato de veinte años con Motown se venció, firmó un contrato de $20 milllones de dólares con la disquera RCA Records.

El primer álbum de Diana con RCA Records fue Why Do Fools Fall in Love, que salió a la venta en el verano de 1981. De él se desprendieron tres exitosos sencillos: «Why Do Fools Fall in Love», «Mirror Mirror» y «Work That Body», el cual ingresó al Top 10 del Reino Unido.

En 1983 se reunió con Mary Wilson y Cindy Birdsong, sus ex compañeras de The Supremes, para el programa especial Motown 25: Yesterday, Today, Forever. El trío interpretó el tema «Someday We’ll Be Together», un clásico de su repertorio. A finales de ese mismo año, Diana reailizó un concierto en el Central Park de Nueva York, cuya recaudación se utilizó para la construcción de una zona de juegos que lleve su nombre. Parte de este show fue filmado y televisado por la señal de cable Showtime. Al mismo asistieron más de 800.000 personas, por lo que Ross anunció que al día siguiente brindaría un nuevo concierto, al que asistieron cerca de 500.000 espectadores. Sin embargo la recaudación de ambas presentaciones no fueron suficientes para la financiación del Diana Ross Playground, por lo que la misma Ross debió pagar los 250.000 dólares que faltaban para que se llevase a cabo el proyecto.

Con RCA grabó varios sencillos exitosos como «Muscles» (1982), tema musical compuesto por Michael Jackson y nominado al Grammy, «So Close» (1983), «Pieces of Ice» (1983), «All of You» (1984), el cual llegó al puesto #1 de la lista dance, «Swept Away» (1984), «Missing You» (1985), «Eaten Alive» (1985), «Chain Reaction», el cual alcanzó la posición #1 de las listas de Reino Unido, y «We Are The World», que fue un éxito en todo el mundo. La canción «All of You» la interpretó a dúo junto a Julio Iglesias, lo que contribuyó a catapultar a Julio al éxito en el mercado anglosajón.

Los álbumes que lanzó en estos años fueron All The Great Hits, el cual fue certificado como «disco de oro» por la RIAA,Silk Electric, Diana Ross Anthology y Swept Away. En 1987 publicó Red Hot Rhythm & Blues, que recibió muy buenas críticas pero no fue un éxito comercial, y If We Hold On Together. En 1989, Diana regresó a Motown.

1989-1999

El primer álbum que lanzó en ocho años con Motown fue Workin’ Overtime. A pesar que el sencillo homónimo llegó al puesto #3 de la lista R&B, la compacto fue un fracaso comercial. En la década de 1990 publicó sencillos y álbumes que consiguieron poca acogida en las listas deReino Unido y Europa, como «When You Tell Me That You Love Me», «One Shining Moment», «Force Behind The Power», «Heart (Don’t Change My Mind)», «Your Love», «The Best Years of My Life», «Take Me Higher», «Gone», «I Will Survive» y «In the Ones You Love».En 1993 publicó el disco Christmas in Vienna, que recogía un concierto de sabor navideño ofrecido por Diana con Plácido Domingo y José Carreras. En 1994, retomó su carrera actoral al protagonizar el telefilme de la cadena ABC, Out of Darkness. Por su interpretación recibió su tercera nominación al Globo de Oro.En 1996 realizó una actuación especial en el Super Bowl XXX. En 1999, como solista, ella fue ubicada #38 en la lista de VH1 The 100 Greatest Women in Rock and Roll mientras que The Supremes se colocaron en el #6. En el mismo año, co-protagonizó otra película de televisión para la ABC, llamada Double Platinum, donde interpretó a una cantante que abandonó a su hija para concentrarse en su carrera.

2000 en adelante

En 2000, Ross anunció que relizaría con sus antiguas compañeras de The Supremes, Mary Wilson y Cindy Birdsong, una gira titula Return to Love. Wilson y Birdsong no quisieron participar en ella porque Diana recibiría $15 millones de dólares, mientras que a ellas les pagarían $2 y 1 millón de dólares, respectivamente. Ellas fueron sustituidas por Lynda Laurence y Scherrie Payne, quienes habían formado parte del grupo después de que Diana lo abandonara. Los primeros conciertos del tour se llevaron a cabo primero en Filadelfia y luego en el Madison Square Garden de Nueva York. Return to Love sólo contó con nueve presentaciones, ya que las ventas de los boletos fueron escasas.

En diciembre de 2002, Ross fue arrestada en Tucson, Arizona por conducir en estado de ebriedad. Luego de cumplir dos días de arresto regresó a su casa en Greenwich, Connecticut. Después de este episodio, se mantuvo durante poco más de dos años alejada de los medios de comunicación.

En 2005 grabó con Rod Stewart el sencillo «I’ve Got a Crush on You», perteneciente al álbum de este último llamado The Great American Songbook, que alcanzó el puesto #19 del Billboard Hot Adult Contemporary. Diana, junto a Westlife, tegrabó su hit «When You Tell Me You Love Me», que volvió a alcanzar el puesto #2 de las listas de Reino Unido y el #1 de las de Irlanda.En junio de 2006, Motown publicó su pospusto álbum Blue, el cual alcanzó el puesto #2 de la lista de jazz de Billboard. Su siguiente álbum de estudio fue I Love You, lanzado mundialmente el 2 de octubre de 2006 y el 16 de enero de 2007 en Norteamérica, producido por la discográfica Manhattan Records/EMI. El compacto alcanzó debutó en la posición #32 de las listas pop y la #16 de las de R&B, y desde su lanzamiento vendió más de 622.000 copias en todo el mundo.

A comienzos de 2007, Ross apareció en diversos programas de televisión de Estados Unidos y Europa, como por ejemplo American Idol o Live with Regis and Kelly, para promocionar su trabajo discográfico. Éste, al igual que su gira europea, obtuvo críticas positivas.

Diana quedó devastada cuando supo que Michael Jackson había muerto.El 2 de julio de 2009 fue revelada la intención póstuma de Michael de que ella tuviera la custodia de sus hijos en caso que su madre Katherine de 79 años muriera o se viera impedida de ejercerla.

Proyectos no musicales

Ross debutó en el cine en 1972 en la película Lady Sings the Blues, donde ineterpretó a la también cantante Billie Holiday, bajo la dirección de Sidney J. Furie. El largometraje recibió reseñas positivas de diversas fuentes y comercialmente también le fue muy bien. Posteriormente ganó un Globo de Oro por «Nueva estrella del año- actriz». Asimismo, fue nominada al premio Óscar por «Mejor actriz» y al Globo de Oro a la «Mejor actriz – Drama».

Más tarde, protagonizó la película Mahogany, junto a Billy Dee Williams,bajo la dirección de Berry Gordy. Allí interpretó el papel de una diseñadora de moda. El filme recibió críticas mayoritariamente negativas y comercialmente no le fue bien. En 1977, actuó junto a Lena Horne, Richard Pryor, Nipsey Russell, Ted Ross y su amigo Michael Jackson la versión cinematográfica de la obra teatral The Wiz, la cual estaba basada a su vez la película El mago de Oz. El musical recibió reseñas negativas de diversas fuentes.

Ross retomó su carrera como actriz en la década de 1990, para protagonizar las películas para televisión: Out of Darkness, de 1994, y Double Platinum, de 1999.

Diana Ross – Do You Know Where You’re Going To ( Theme From Soundtrack Mahogany)

Fuente: Diana Ross – Wikipedia

TalDiaComoHoy 26 de marzo de 1948: Nace Steven Tyler, cantante estadounidense, vocalista de Aerosmith.

steven tyler

TalDiaComoHoy 26 de marzo de 1948: Nace Steven Tyler, cantante estadounidense, vocalista de Aerosmith.

Steven Victor Tallarico (n. 26 de marzo de 1948, Yonkers, Nueva York), mejor conocido en la industria de la música como Steven Tyler es un músico, compositor, actor y multiinstrumentista1 líder y vocalista de la banda de rock estadounidense Aerosmith.

Es conocido por la habilidad de ejecutar varios instrumentos musicales. En 2008 la revista Rolling Stone lo eligió como uno de los 100 mejores cantantes de la historia y también lo eligió en el puesto 57 como uno de los 100 más grandes artistas de todos los tiempos. Asimismo, fue escogido por la revista estadounidense Hit Parader como el 3er. mejor vocalista de Heavy metal de todos los tiempos sólo superado por Robert Plant y Rob Halford respectivamente. Además figura en el puesto 13 en la lista de los 40 mejores vocalistas de rock de todos los tiempos, según la estación de radio digital Planet Rock. En 2005 la revista estadounidense de música Blender y la cadena musical MTV lo seleccionaron como uno de los mejores vocalistas figurando en el puesto 16 de una la lista de 22 artistas. Fue elegido según el sello discográfico Roadrunner Records como uno de los mejores cantantes de música Metal ubicandolo en el puesto 8 de una lista de 50 artistas. En 2001 es premiado por la cadena musical VH1 por ser el rockero con mejor estilo en los VH1 Fashion Awards. También, El portal de música DigitalDreamDoor lo nombró como uno de los mejores vocalistas de todos los tiempos y lo eligió en el puesto 78 por la interpretación del disco Walk This Way como uno de los mejores vocalistas de música rock, gracias al gran tamaño de su boca y la fisonomía de su lengua que al colocarla en la base inferior de la boca permite emitir ese tipico sonido rockero de sus gritos.

En 2001 Steven Tyler fue incluido en el Salón de la Fama del Rock junto con Aerosmith.

Datos generales
Nombre real Steven Victor Tallarico
Nacimiento 26 de marzo de 1948 (64 años)
Origen Bandera de los Estados Unidos Yonkers, Nueva York (EU)
Cónyuge Cyrinda Foxe (1978-1987) Teresa Barrick (1988-2005)
Hijos Liv Tyler (n. 1977)
Mia Tyler (n. 1978)
Chelsea Tallarico (n. 1989)
Taj Tallarico (n. 1991)
Ocupación Cantante
Información artística
Otros nombres El demonio de los gritos
Género(s) Hard rock, Heavy metal, Blues rock
Instrumento(s) Voz, Piano, Teclado, Guitarra, Armónica, Violín, Mandolina, Flauta, Mellotron, Batería
Período de actividad 1964-presente
Discográfica(s) Columbia, Geffen
Artistas relacionados Aerosmith, Liv Tyler, Mia Tyler
Web
Sitio web Steven Tyler Oficial

Biografía

Steven Tallerico, Yonker Nueva York, el 26 de marzo de 1948, hijo de Susan (de soltera Blancha, junio 2, 1925 – julio 4, 2008), una secretaria, y Víctor A. Tallarico (14 de mayo de 1916 – septiembre 10, 2011), un músico clásico y pianista. Su padre era de origen italiano y alemán y su madre era de origen polaco e Inglés.

La música siempre ha desempeñado un papel importante en la vida de Tyler ya que fue el hijo de un músico clásico que dirigió la Orquesta de Vic Tallarico. Su padre le enseñó música en la Escuela Secundaria Cardenal Spellman en el Bronx durante muchos años. Steven Tyler también se aficionó al blues y en la década de 1960, fue originalmente un baterista y más tarde se convirtió en el cantante principal en una variedad de bandas de rock n’ roll locales como The Strangeurs (más tarde cambiado a Chain Reaction), Chain, y William Proud. Tyler pasó un tiempo en los veranos de su juventud en New Hampshire Sunapee Lago, donde se reunió con sus futuros compañeros de banda, Joe Perry y Tom Hamilton. Él tiene residencias en Marshfield, Massachusetts, Sunapee, NH, Cape Cod, Nueva York y Los Angeles

Carrera

Formación y éxito de Aerosmith

En 1965, Tyler escribió su primer gran hit en las radios «Dream On». En 1969, Tyler asistió a un concierto de rock local en Sunapee, alrededor de 1971, la banda se trasladó a Boston, Massachusetts y compartió un pequeño apartamento en la avenida Commonwealth en Brighton. Un ex compañero de Tyler, de Nueva York, Joey Kramer, fue reclutado para tocar la batería y más tarde, agregaron un guitarrista rítmico: Brad Whitford, quien reemplazó al amigo de la infancia de Tyler, Ray Tabano. Después de pasar tiempo en el circuito de clubs de Boston, bajo la tutela de su primer representante, Frank Connelly, la banda comenzó a trabajar con los representantes de Nueva York Steve Leber y David Krebs. Posteriormente firmó un contrato discográfico en 1971 y lanzaron su álbum debut homónimo en 1973. Fue seguido por Get Your Wings (1974), Toys in the Attic (1975), Rocks (1976), y Draw the Line (1977), que catapultó a la fama internacional a Aerosmith y reconocimiento. Estos álbumes produjo éxitos legendarios como «Dream On», «Walk This Way», y «Sweet Emotion». Los primeros cinco discos de Aerosmith también han alcanzado discos de platino, y los cinco están considerados entre los mejores álbumes de hard rock de todos los tiempos. Sin embargo, como la década avanzaba, la vida trepidante de giras, las grabaciones, la convivencia y el uso de drogas comenzó a cobrar factura a la banda.

A Tyler y Perry se los conocía como los Gemelos Tóxicos, por su legendario consumo de estimulantes y heroína. Su relación está bien documentada en muchos lanzamientos de videos de Aerosmith así como también en Behind The Music de Aerosmith.

Perry dejó Aerosmith para comenzar The Joe Perry Project.

Fue sustituido por Jimmy Crespo. Jimmy formó una sociedad de escritura con el cantante Steven Tyler, co-escribió y produjo el álbum Rock In A Hard Place. Crespo fue la clave para mantener unidos hasta que Brad Whitford abandonó Aerosmith, (de ahí y en memoria de él, surge la costumbre de la banda por anudar en el pie de microfono el pañuelo que aquel utilizaba). Su reemplazante fue Rick Dufay.

En la década de 1970 y principios de 1980, Tyler fue conocido también por su abuso con drogas duras y alcohol, aunque terminó la rehabilitación de drogas en 1986 y se mantuvo sobrio durante más de 20 años hasta que empezó a abusar de los analgésicos en 2009 y desde entonces ha vuelto a rehabilitar. Durante sus actuaciones en los conciertos, en la cual descarga toda su energía, siempre está vestido con trajes de colores muy vivos y también con bufandas colgadas sobre su micrófono.

Reunión con Aerosmith y rehabilitación

En el 19 de febrero 1983, Joe Perry y Brad Whitford, quienes dejaron la banda en 1979, se presentaron a un show de Aerosmith. De acuerdo con en el especial de Behind the Music de VH1 de la banda, Tyler alega que hizo la primera llamada telefónica a Joe Perry animándolo a reunirse de nuevo. Entre bastidores, todos ellos se reunieron y Perry y Whitford aceptaron unirse a la banda una vez más.

Aerosmith se embarcó en una gira de reunión llamada «The Back in the Saddle Tour» y empezaron a grabar de nuevo. Un problema era que aún permanecía, sin embargo, la adicción a las drogas de los miembros del grupo, especialmente Tyler, que había colapsado en el escenario durante varias actuaciones en la década de 1980 y había sufrido una larga adicción a la heroína. El nuevo mánager de Aerosmith, Tim Collins y el resto de la banda reunida sabían que no llegaría a nada con su líder, Steven Tyler, todavía bajo la fuerte influencia de las drogas. En 1986, tuvieron una reunión en la que presionaron a Tyler para entrar a un programa estricto de rehabilitación de drogas.

Después de que Tyler había terminado de rehabilitación de drogas, todos los demás miembros de Aerosmith finalmente entraron en rehabilitación y todos habían salido con éxito sus respectivos programas en diversos momentos de la década la segunda mitad de 1980.

Regreso y superestrellato

En 1985, Aerosmith lanzó su álbum de regreso, Done With Mirrors, que le dieron resultados mediocres la banda. En 1986, sin embargo, Tyler y Perry colaboraron con Run-DMC para un remake del éxito de Aerosmith de 1975 «Walk This Way», que alcanzó el # 4 en las listas y fue nombrada recientemente por la revista Rolling Stone como la canción # 37 de las 100 canciones que cambiaron el mundo. «Walk This Way» introdujo tanto a la música rap como a Aerosmith a una nueva generación, así como ayudar a sembrar las semillas de un gran regreso. Aerosmith volvió en 1987 con Permanent Vacation, que llegó al puesto 3 del Top 20 de singles y vendió cuatro millones de copias. La banda siguió en 1989 con Pump y una vez más en 1993 con Get a Grip, los cuales vendieron siete millones de copias cada uno y lanzó a la banda al estrellato mundial, eclipsando así su éxito en la década de 1970. Los tres álbumes ganaron aclamación por la crítica por sus estilos musicales innovadores, aparecieron una docena de Top 40 de singles, produjeron vídeo musicales teatrales, y ganó la banda de docenas de premios. La subsecuente gira de Aerosmith y la apariencia en la televisión y el cine convirtió a la banda en uno de los más grandes iconos de la cultura del Rock. Steven Tyler, como el líder del grupo, se convirtió en un símbolo para la banda y un nombre familiar en su propio derecho.

La banda se tomó un descanso saludable en 1995 para pasar tiempo con sus familias, a raíz de su estilo de vida agotadora de los diez años anteriores, bajo la dirección del mánager, Tim Collins, que ayudó a orquestar la mayor parte de reaparición de la banda y sostener el éxito. Sin embargo, Aerosmith casi llegó a un chirrido alto, mientras que Collins presionó a los exhaustos miembros de la banda y corrieron rumores de que la banda se disolvía y que Steven Tyler estaba siendo infiel a su esposa y usando drogas de nuevo. Fue despedido posteriormente. Esto, junto con un cambio de productores, retrasó el proceso de grabación de Nine lives, que fue finalmente lanzado en 1997. Si bien no se acercaran a las cifras de ventas de Get a Grip, todavía fue doble platino, y la banda logró mantenerse en la parte superior y estuvo de gira durante más de dos años en apoyo del álbum.

En 1997, Steven Tyler y Joe Perry aparecen en un comercial para el GAP, realizando un número de blues con Tyler en la armónica. Esto fue parte de una campaña publicitaria por Gap con una variedad de artistas de la música.

En 1998, mientras estaba de gira en apoyo del álbum Nine Lives, Steven Tyler sufrió una lesión de ligamentos cuando su micrófono de pie chocó contra su rodilla. Tyler y la banda terminaron el espectáculo, pero tuvieron que cancelar varias fechas y Tyler tuvo que usar un yeso en la pierna mientras filmaba el vídeo de «I Don’t Want to Miss a Thing», que alcanzó el puesto # 1 en las listas de ese año.

Periodo 2000 – 2008

El comienzo del siglo XXI vio atención Aerosmith en el Super Bowl XXXV Espectáculo de medio tiempo, fue incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, y lanzar otro álbum de platino.

Desde el 2001, Aerosmith ha puesto en marcha una exitosa gira todos los años y ha mantenido un papel activo en la industria musical, la grabación de los álbumes Just Push Play (2001) y Honkin’ on Bobo (2004). Además de esto, Steven Tyler ha mantenido ocupado con una variedad de proyectos paralelos y apariciones especiales.

Después de los ataques del 11 de septiembre del 2001, la banda tocó en el concierto benéfico «United We Stand», en Washington DC, Tyler se puso una chaqueta de cuerpo entero, con la bandera Estadounidense y la banda presentó unos breves números incluidos como «Livin ‘on the Edge» y «I Don’t Wanna Miss a Thing «. La banda volvió a Indianápolis para realizar un show esa misma noche.

En 2003, Tyler recibió un título honorífico de Berklee College of Music, y, en 2005, recibió un doctorado honoris por la Universidad de Massachusetts, Boston. En 2003, Tyler también instaló a AC/DC en el Rock and Roll Hall of Fame, después de que él y su banda fueron incluidos dos años antes. Tyler cantó con AC/DC el líder del grupo Brian Johnson en la interpretación de «You Shook Me All Night Long». «The Grind», de Aerosmith también aparece como extra. También cantó el Himno Nacional para inaugurar la Serie Mundial en 2004 en el Fenway Park.

La película de navidad El Expreso Polar del 2004, Steven Tyler, aparece cantando la letra de un número de rock titulado «Rockin’ on Top of the world», así como un grupo de elfos de animación por computadora se asemeja Aerosmith interpretando la canción.

Mientras Joe Perry se mantuvo ocupado en el 2005 con su homónimo álbum en solitario, Steven Tyler se mantuvo ocupado con una variedad de proyectos. Ese año, él era el vocalista principal de Santana en el sencillo «Just Feel Better». Tyler también hizo un cameo en la película Be Cool protagonizada por John Travolta y Uma Thurman. En la película, Steven Tyler hace un dúo de la canción «Cryin'» con la cantante Linda Moon (Interpretada por Christina Milian)

En 2006, después de la cicatrización de la cirugía en la garganta de Tyler y el agotador Rockin’ the Joint Tour, Steven Tyler hizo un retorno digno de mencionar. Un hecho destacable fue cuando actuó con Joe Perry y la Orquesta Boston Pops por la cuarta Orquesta anual en julio, espectacular, fue su primera gran aparición pública luego de la operación. Durante el concierto, que fue transmitido a nivel nacional por CBS, Tyler, Perry, y la orquesta interpretó un popurrí de «Walk This Way», «I Don’t Wanna Miss a Thing» y «Dream On».

Tyler también grabó un dueto con el artista de música country Keith Anderson, titulado «Three Chord Country and American Rock & Roll». La canción, una versión remezclada de la canción encontrada en el álbum debut de Anderson, fue lanzado como single en los Charts Country de EE.UU.

Ese mismo año, además de trabajar con Aerosmith en giras y grabando un nuevo álbum, Tyler hizo varias apariciones públicas. Hizo un cameo en la comedia Two and a Half Men, haciendo de sí mismo como un ruidoso vecino desagradable. El 14 de octubre 2006 Tyler cantó «God Bless America» durante el estiramiento en la séptima entrada del juego #3 de la Serie de Campeonato de la Liga Nacional entre los Cardenales de San Luis y los Mets de Nueva York en el Busch Stadium de St. Louis, Missouri. El 24 de noviembre, de manera voluntaria Steven sirve la cena de Acción de Gracias a los necesitados en un restaurante en West Palm Beach, Florida, antes de un show de Aerosmith allí.

En 2007, Tyler de Aerosmith mantiene activa una gira mundial con la banda que los vio actuar en 19 países.

El 21 de mayo de 2008, se informó de que el vocalista Steven Tyler se había registrado en Las Encinas Hospital clínica de rehabilitación, en Pasadena, California, para recuperar pacíficamente la pierna con cirugías múltiples. Él hizo una declaración pública diciendo que «El dolor del reparación del pie fue intenso», más grande de lo que yo habría anticipado. Los meses de cuidados de rehabilitación y la tensión dolorosa de la terapia física fueron traumáticos. Realmente necesitaba un ambiente seguro para recuperarme donde podría apagar el teléfono y volver a mis pies».

El 14 de julio de 2008, la madre de Tyler, Susan Ray Tallarico, murió a los 84 años.

El 18 de julio de 2008, Steven Tyler apareció con Billy Joel en el último concierto que se jugó en el estadio Shea. Respaldado por la banda de Billy Joel, cantó como voz principal en la canción «Walk This Way».

En agosto de 2008, HarperCollins ganó una subasta de publicar la autobiografía de Steven Tyler.

En diciembre de 2008, hizo una aparición sorpresa en los conciertos de Trans-Siberian Orchestra en el Nassau Coliseum (12 de diciembre de 2008) y el Centro de Izod (13 de diciembre de 2008). Fue el «final sorpresa» En el Centro de Izod, colaboró con la Trans-Siberian Orchestra en «Dream On» y «Sweet Emotion».

Eventos recientes

El 05 de agosto 2009 Tyler cayó del escenario, cerca de Sturgis, Dakota del Sur, lesionándose la cabeza, el cuello y rompiéndose su hombro. Fue trasladado al Hospital Regional de Rapid City. Debido a la caída de Tyler, Aerosmith se vio obligado a cancelar el resto de su Tour del 2009 a excepción de dos conciertos en Hawái en octubre. Ya en 2007 Aerosmith tuvo que cancelar su primer concierto en Maui que dio lugar a 8.000 demandantes de clase-acción con un traje largo de cancelación de la banda de la serie de Maui. Los asistentes recibieron boletos y, en algunos casos, los reembolsos por los gastos de bolsillo.

Steven Tyler recientemente ha ayudado a hacer una armónica para Hohner como parte de «Signature Series».

El 9 de noviembre de 2009, se informó de que Steven Tyler no ha tenido contacto con los demás miembros de Aerosmith y que no estaban seguros si estaba todavía en la banda. El 10 de noviembre de 2009, Joe Perry confirmó que Steven Tyler había dejado de Aerosmith para seguir una carrera en solitario y no estaba seguro si era por tiempo definido. No hay sustitución para Tyler fue anunciado.

A pesar de los rumores de dejar la banda, y a pesar de los comentarios de Perry como se informó anteriormente el mismo día, Tyler se unió a The Joe Perry Project en el escenario 10 de noviembre 2009 en el Fillmore de Nueva York en Irving Plaza y realizó el clásico de Aerosmith «Walk This Way». Según fuentes del caso, Tyler aseguró a la multitud que a pesar de los rumores en contrario, «No dejo Aerosmith». Aunque Tyler había dicho que no dejaba Aerosmith, los miembros de la banda estaban preocupados de que había caído en las drogas otra vez. Se informó por la revista Rolling Stone el 22 de diciembre que Tyler ha ingresado a rehabilitación por el manejo del dolor y una adicción a los analgésicos, y que él está dispuesto a empezar a trabajar con la banda después de la rehabilitación.

El 15 de febrero de 2010, fue anunciado que Aerosmith seria titular del Download Festival en Donington, Inglaterra, con la afirmación de que Steven Tyler solo aparecería como cantante para el grupo.

El 26 de marzo de 2010, se informó de que Steven Tyler, intrigado por el 2009, Chris Cornell grabó Scream, se trabajará con Timbaland para grabar un álbum de rap. La colaboración de Reverend Run y Darryl Mac de Run-DMC, Kid Rock y T-Pain se rumorea que aparecerá en el nuevo proyecto.

El sábado 14 de agosto de 2010 Steven Tyler junto a Aerosmith y el grupo J.Geils Band se presentan en el FenWay Park de Boston. El Periódico Boston Sunday Globe le dedica la portada.

Fue presente durante el «All-Stars Game» en 2011

El 25 de octubre de 2011, Tyler sufrió una descompensación y cayó en el baño de su habitación de hotel en Luque, Paraguay, por lo que sufrió un par de heridas en la cara y la rotura de dos dientes. Fue trasladado a un sanatorio privado de Asunción donde fue sometido a un servicio odontológico y cirugía plástica de ceja y de labios. El concierto que debía ofrecer esa misma noche fue postergado para el día siguiente.

Motocicletas Dirico (anteriormente Red Wing Motorcycles)

El 15 de septiembre de 2007 en el New Hampshire International Speedway, Steven anunció el lanzamiento de las nuevas motocicletas Dirico. Las bicicletas Dirico están diseñadas por Steven Tyler, dirigido por Mark Dirico, y construido por AC Custom Motorcycles en Manchester, New Hampshire.

Steven ha sido un viejo fanático de las motocicletas y entusiasta de la equitación. Sobre la nueva Motocicleta Tyler Dirico comentó: «Te montas en una de estas motos y te puedes montar por días. Estas bicicletas son rápidas, fuertes y sólo maravillosas. Y son increíbles de ver. «

Steven Tyler también participa en una variedad de subastas de caridad con motocicletas, incluyendo el Paseo de la caridad de la Infancia.

Vida personal

Relaciones

Steven tuvo una breve relación con la modelo Bebe Buell, durante la cual fue padre de la actriz Liv Tyler (Buell afirmó inicialmente que el padre era Todd Rundgren para proteger a Liv de la adicción a las drogas de Steven). En 1978, se casó con Cyrinda Foxe, una ex-modelo Warhol, y la ex esposa del cantante de New York Dolls, David Johansen, y fue padre de la modelo de tallas grandes Mia Tyler. Él y Cyrinda Foxe se divorciaron en 1987; en 1997, publicó Dream On y Livin ‘on the Edge Con Steven Tyler y Aerosmith y un libro de memorias de su vida con Tyler. Cyrinda Foxe murió de cáncer cerebral en 2002. Tiene un nieto, Milo William Langdon (nacido el 14 de diciembre de 2004 en Nueva York), del matrimonio de la hija Liv con el músico británico Royston Langdon.

En 1988, se casó con la diseñadora de ropa Teresa Barrick. En febrero de 2005, la pareja anunció que se iban a separar debido a problemas personales. En enero de 2006 el divorcio era oficial. Fue padre de una hija y un hijo, Chelsea Tallarico (6 de marzo de 1989), y Taj Tallarico (31 de enero de 1991).

En 1998 tubo un amorío con una fan en un viaje a México donde tuvo una hija llamada Lorena Georgina M. G. que reside actualmente en México Estado de México

En 2011 se compromete con la modelo de 38 años Erin Brady, relación desde 2006 pero a finales de 2012 termina su relación debido a que por el momento las priodidades de Steven son las giras mundiales que tiene por proyecto.

Cirugía de garganta

El 22 de marzo de 2006, justo cuatro días antes de su cumpleaños número 58, el periódico The Washington Post informó que Tyler se somete a cirugía para una «condición médica no revelada». Un comunicado del publicista de Tyler dice en parte: «A pesar del deseo de Aerosmith de mantener la gira el mayor tiempo posible, (el médico de Tyler) aconsejó no continuar cantando para darle a su voz tiempo para recuperarse.» El resto de las fechas de la gira en América del Norte de Aerosmith en 2006 en el Rockin’ the Joint Tour posteriormente fueron canceladas como resultado de la operación.

La cirugía para corregir un vaso sanguíneo aparecido en la garganta, fue un éxito. En las palabras de Tyler: «Él acaba de tomar un láser y corrigió el vaso sanguíneo». Después de unas semanas de descanso, Steven Tyler y el resto de Aerosmith entró al estudio el 20 de mayo de 2006 para comenzar a trabajar en su nuevo álbum.

El 3 y 4 de julio de 2006, Tyler y Joe Perry llegaron al escenario en la costa de Boston con la Orquesta Boston Pops y cantó las canciones «Dream On», «Walk This Way», y «I Don’t Want to Miss a Thing» como parte de la Boston 4th of July Fireworks Spectacular. El concierto fue notable como la primera actuación pública de Tyler desde la operación. Después hicieron un tour en el otoño de 2006 junto con Mötley Crüe, bautizado como Route of All Evil Tour.

La cirugía de la garganta de Steven Tyler apareció en 2007 en un episodio de la serie de National Geographic Channel llamado la Increíble Máquina Humana.

Batalla contra la hepatitis B y C

En una entrevista de septiembre de 2006 con Access Hollywood, Steven Tyler reveló que había estado sufriendo de hepatitis B y hepatitis C en los últimos 11 años. Se le diagnosticó la enfermedad en 2003 y fue sometido a un tratamiento intensivo desde ese año hasta el 2006, incluyendo 11 meses de tratamiento con «interferón», que calificó de «agónico».

Adicción a calmantes

La agencia de noticias Associated Press informó el 23 de diciembre de 2009 que Steven Tyler entró en una clínica de rehabilitación para tratar su adicción a los analgésicos que había estado tomando para hacer frente a las lesiones de rendimiento. La banda canceló una gira de verano en agosto después de que Tyler se cayó del escenario durante una actuación en Dakota del Sur y se rompió el hombro izquierdo.

El doctor Brian McKeon Tyler dijo a la revista People que las lesiones ortopédicas en la última década han dejado al rockero de 61 años de edad con dolor crónico severo y que requiere cirugías en las rodillas y los pies.

Aerosmith – Crazy

Fuente: Steven tyler – Wikipedia